Průvodce
BIENÁLE VE VĚCI UMĚNÍ

V tomto průvodci najdete doprovodné texty k výstavě bienále Ve věci umění 2026. Klepnutím si z hlavní nabídky vyberte jednu ze tří bienálových lokací, v níž se právě nacházíte. V rozbalovacím seznamu si vybírejte podle jména umělce nebo umělkyně, o kterých se chcete dozvědět více.

V pravém horním rohu najdete ovládání jazyka, je možné přepínat mezi češtinou a angličtinou. Uprostřed horní lišty najdete ovladač kontrastu, kterým si můžete vybrat mezi světlým zobrazením a tmavým, které je šetrnější pro osob citlivé na světlo.

Matter of Art

Bienále Ve věci umění 2026 je setkáním rozmanitých kulturních a uměleckých praxí, které reagují na životní nezbytnosti. Čtvrtý ročník bienále přistupuje k nezbytnosti či nepostradatelnosti jako k ústřednímu konceptuálnímu pojmu i jako k určujícímu principu, jenž propojuje množství uměleckých děl, organizačních a vzdělávacích metod, způsobů sdílení času a prostoru i forem tvorby a vnímání umění. V tomto kontextu se umění nejeví jako estetická volba, komodita či profesionalizovaná činnost, ale jako instinktivní, tělesně zakotvená reakce na prožívané podmínky; jako něco nevyhnutelného, vepsaného do samotné struktury každodenního života a jeho politiky.

Bienále si klade otázku, co jsou ony nezbytné věci: ty, kterým se nemůžeme vyhnout. Nezbytnost může mít podobu protestu jako prostředku přežití i jako projevu života, může se však objevit také jako intimní gesto, únik od pozornosti nebo obrácení se do vlastního nitra. Letošní ročník navrhuje uměleckou formu jako prostředek solidarity a soucitu, který slouží jako nositel, zástupce a nástroj podpory bouřících se komunit i řešení osobních naléhavostí. Tyto praxe utužují vztahy zevnitř, zesilují umlčované hlasy a živí naději tím, že vyzývají spřízněné jedince k akci v reakci na útlak. Nezbytnost znamená učit se žít s rozpory, přijímat neodolatelné rytmy a orientovat se v choreografiích omezení. Umění zrozené z nezbytnosti je tak zároveň uměním poetiky redukce a zahrnuje nečinnost i praktikování umírněnosti, odmítnutí, bojkotu a ústupu.

Bienále se odehrává prostřednictvím dvou výstav v Praze a Pardubicích, dále pak kolektivních čtení, společného vaření a zahradničení, workshopů a publikačních a rozhlasových aktivit připravovaných decentralizovaným způsobem. Jeho podobu utváří kurátorský tým s různorodými perspektivami a dále ji rozšiřují pozvané místní kolektivy; neusiluje pouze o zdůraznění rozmanitých uměleckých reakcí na naléhavosti současnosti, ale také o dlouhodobou podporu a posilování existujících praxí. Bienále je koncipováno jako porézní, otevřená a sdílená entita, která znovu zkoumá pojmy vlastnictví, autorství a sdílení zdrojů a posouvá je směrem ke spolupracujícím a kolektivním modalitám.

Díla a praxe, jež bienále utvářejí, vycházejí z procesů – jako je lapání po dechu, tlukot srdce či porodní kontrakce –, které se prosazují silou samotného života a vynucují si vlastní nezbytnost; události, jež nelze odložit, přesměrovat ani odmítnout. Nejpřesvědčivější podoba nezbytnosti je tak pociťována přímo v těle, v procesu života, který nás prostupuje a neustále přetváří prostřednictvím automatických a neodolatelných rytmů mimo vědomou kontrolu.

Národní galerie Praha – Veletržní palác – Velká dvorana
Dukelských Hrdinů 47
170 00 Praha 7-Holešovice

Otevírací doba
út–ne: 10.00–18.00

Termín výstavy
12. 6. – 13. 9. 2026

Doprava
Metro C – stanice Vltavská
Tram 6 | 17 – zast. Veletržní palác
Tram 1 | 6 | 8 | 12 | 17 | 25 | 26 | 34: zast. Strossmayerovo náměstí

Přístupnost a zázemí
Kavárna, bezbariérový vstup, výtah, bezbariérové toalety, přebalovací pult, venkovní a vnitřní posezení, pitná voda, wi-fi, 230V zásuvka

Ústí nad Labem, 2015 | → Praha

Časopis Fůd: Denní chleba
2026
Editorstvo: Fůd kolektiv
Texty: František Fekete, Jakub Gawkowski,
Oleg Gryshchenko, Barbora Müllerová, Olena Staranchuk,
Jaroslava Tomanová
Ilustrace: Fuad Alymani, Meysam Azarzad, Davyd Čyčkan,
Bára Gallo, Veronika Homolová, Inma Hortas,
Vincent Kilbride, Barbora Müllerová, Studio Seri/graph
(Jenya Polosina a Anya Ivanenko), Michal Šumichrast,
Barbora Tögel, Juliana Toro, Zeloot
Překlad: Františka Blažková, Brian D. Vondrak

Tisk: Risograph, tisk Dark Press
Rozměry: 188 × 266 mm
Počet stran: 59

Vydáno při příležitosti bienále Ve věci umění 2026

Platforma Fůd je prostor pro angažovanou ilustraci a komiks, který od roku 2015 společně vytvářejí ilustrátorky Barbora Tögel, Veronika Homolová a Barbora Müllerová. Věnuje se publikování časopisů a zinů, produkci výstav, přednášení a vytváření příležitostí pro setkávání a sdílení know-how mezi angažovaným kreslířstvem z celého světa. Skrze výstavy v prostorách kaváren či například v nízkoprahových centrech se dlouhodobě snaží vnášet do centra veřejné debaty témata spojená s feminismem, queer lidmi, environmentalismem, duševním zdravím, sociální nerovností nebo xenofobií, v posledních letech tematizuje také úskalí práce angažovaného ilustrátorstva. Jako hlavní téma publikace pro bienále Ve věci umění editorky zvolily „denní chleba“ – podmínky, v nichž autorstvo v různých regionech žije a tvoří, a každodenní překážky, které musí na své cestě překonávat.

Spolupráce s Fůdem je součástí kurátorské strategie letošního ročníku bienále. Ta se soustředí na sdílení kurátorské odpovědnosti a rozšiřování představ o tom, co je umělecká praxe a jakou formu může bienále umění mít. Namísto obvyklé publikace typu katalog či průvodce výstavou v plné režii bienále Ve věci umění vzniklo deváté vydání časopisu Fůd. Ve výstavě nefiguruje jako umělecký exponát, a přesto je jeho právoplatnou součástí, rezonuje s tématy bienále a přidává další vrstvy, skrze které je zprostředkovává návštěvnictvu. Kromě ilustrací obsahuje také texty k bienále pro ty, kdo chtějí mít větší vhled do přístupu kurátorské skupiny k současnému umění.

Fůd je možné zakoupit v místním knihkupectví nebo v online knihkupectví matterof.art.

* Liptovský Mikuláš (SK), 1997 | → Parque Rural de Betancuria (ES)

Kam se ani krkavci neodváží

instalace sestávající z děl:

Vzdej úctu supům a vranám
2026
textil, kůže, nitě, dřevo, 185 × 95 cm

Pablo s býky
2025
textil, kůže, nitě, dřevo, 95 × 185 cm

Rok zelí
2026
textil, kůže, nitě, dřevo, 95 × 185 cm

Ve stínu slunce
2026
textil, kůže, nitě, dřevo, 185 × 95 cm

Šedivá obloha
2026
vlněné a bavlněné příze, sušené palmové listy, tráva, 60 × 100 cm

Zastřihování
2026
vlna z alpaky, poly fill, len, bavlna, kůže, dubové dřevo, 75×65 cm

Sklizeň granátových jablek
2026
vlna z alpaky, len, bavlna, kůže, dubové dřevo, 75×65 cm

Strašáci
2026
překližka, kůže, molitan, dřevo, kov, různé rozměry

Stoh sena
2026
olšové dřevo, vlněné a bavlněné příze, sušené palmové listy, tráva, 195 × 160 cm

Goatkeepování
2026
různé druhy dřeva, kov, 110 × 150 cm

Nový umělecký projekt pro bienále Ve věci umění 2026

Adrián Kriška představuje na bienále Ve věci umění 2026 novou, komplexní instalaci Kam se ani krkavci neodváží, ve které spojuje queer kulturu, DIY principy a prvky společenského aktivismu. S těmito tématy souvisí i jeho vlastní životní situace. S partnerem se rozhodli opustit Prahu a přestěhovat se do odlehlé části ostrova Fuerteventura, kde společně s přáteli koupili polorozpadlý statek. Svépomocí ho postupně opravují a budují kulturní centrum a zahradu, aby se posléze mohl stát prostorem pro umělecké rezidence a další přidružené aktivity. Pro takové propojení každodenního života a umění je inspiroval například projekt Prospect Cottage filmaře a umělce Dereka Jarmana (1942–1994). Tento Angličan opravil na britském pouštním mysu Dungeness rybářský domek a kolem něj vybudoval sochařskou a květinovou zahradu, kde prožil poslední roky svého života. Život na periferii, zahradničení a subverzivní kutilství se odráží i v jednotlivých částech instalace, která symbolizuje utopický mikrosvět. Čalouněné sochy čertů jsou inspirované lidovým uměním a jejich podstata je nahlížena z queer perspektivy. Čerti jsou všichni, kdo se bouří proti ustrnulé společnosti a odmítají poslouchat to, s čím nesouhlasí. Skrze tyto symboly vyjadřuje instalace odpor proti současnému nárůstu konzervativních hodnot ve společnosti. Textilní práce spojují folklorní i mytologické motivy a využívají materiálů z druhé ruky. Inspirací jsou i textilní díla české umělkyně Zorky Ságlové (1942–2003). Venkovské prostředí se v instalaci Adriána Krišky stává místem odmítnutí systémových očekávání a prostředím pro budování radikálních snů.

Účast Adriána Krišky na bienále Ve věci umění 2026 se uskutečňuje v rámci partnerství s online magazínem Kapitál.

* Minsk (BY), 1988 | → Vídeň (AT)

Vzorek pro Veletržní palác
2026
site-specific instalace, nalezené a vypůjčené objekty, různé rozměry

S laskavým svolením umělce a galerie COMMUNE ve Vídni

Sochy Gleba Amankulova jsou dočasné struktury vytvořené z nalezených objektů. Tyto objekty pocházejí přímo z místa konání výstavy a díla existují pouze po dobu konkrétní prezentace. Tento přístup bezprostředně reaguje na podmínky sdílené mnoha umělci a umělkyněmi: nedostatek ateliérového a skladovacího prostoru, nejistota umělecké práce a tlak ze strany uměleckého trhu.

Pro bienále Ve věci umění 2026 Amankulov sestavil své instalace z předmětů pocházejících ze skladů Národní galerie Praha, místních second handů, bleších trhů a internetových tržišť. Samotný akt hledání a zapůjčování objektů je součástí díla. Jedná se o performanci, která reflektuje, jak se umění nakupuje a prodává a k čemu vlastně slouží. Použité objekty, jako je starý nábytek a domácí potřeby, v sobě nesou vzpomínky, vkus určité společenské třídy a mocenské poměry v designu. Žádný z objektů není pro účely instalace poškozen ani upravován. Po skončení výstavy jsou díla rozebrána a jednotlivé prvky se vracejí zpět do oběhu prostřednictvím prodeje, darování nebo opětovného využití. Tato flexibilní metoda zpochybňuje představu, že umělecké dílo musí být trvalé. Nabourává naše zažité představy o tom, kdo vytváří umění a co v dnešní ekonomice znamená hodnota.

* Užhorod (UA), 1995 | → Vídeň (AT)

Systém podpory
2022
olej na plátně, 195 × 195 cm

Badante
2021
olej na plátně, 77 × 91 cm

Systém péče
2024
olej na plátně, 150 × 188 cm

Psi nesoucí vojáka
2023 olej na plátně, 80 × 70 cm

Objetí
2020
olej na plátně, 80 × 95 cm

S laskavým svolením umělkyně

Malířka Alina Sokolova zkoumá pohyb a jeho vztah ke společnosti. Její obrazy fungují jako deník života. Mnohé z nich odrážejí pocity nejistoty a neustálé proměny, které vycházejí z tragické reality probíhajících válek. Používá osobitý vizuální jazyk založený na opakujících se symbolech, například botách, gestech rukou, cigaretách, koních, psech či površích s šachovnicovým vzorem. Tyto motivy se objevují v surreálných, nejasných a chaotických souvislostech. Odráží se v nich současný svět, který je pocitově nestabilní a plný rozporů, což vede k vyčerpání a tendenci stáhnout se ze společnosti. Její obrazy zachycují a uchovávají ducha současnosti. Součástí tohoto vizuálního kódu se stávají i pomíjivé fenomény digitálních sociálních sítí, například gesta populární mezi generací Z na TikToku. Sokolova tak tyto momenty zachovává pro porozumění budoucích generací. Výběr děl pro bienále představuje scény péče a aktu nošení. V nich si lidé (nebo psi) vyměňují role pečujícího a toho, o koho je pečováno (Objetí, Psi nesoucí vojáka). To podtrhuje péči jako základní a nezbytnou součást života. Slovo badante znamená v italštině „pečovatelka“. Sokolova jím nazvala sérii obrazů věnovanou ukrajinským ženám zaměstnaným v jižní Itálii jako pečovatelky, které žijí a pracují v domácnostech svého klientstva. V celé sérii zkoumá pohyby spojené s péčí, jako je zvedání a podpírání těla.

Obrazy Systém péčeSystém podpory se zaměřují na společenský rozměr péče. Postel se zde proměňuje z místa intimity a odpočinku v boxerský ring: prostor zranitelnosti, nejistoty a pocitu odhalenosti.

* Knjaževac (YU), 1989 | → Vídeň (AT)

Kapitál
2023
instalace, červená vázaná kniha, bílé ochranné rukavice, podstavec, 20 × 30 cm, cca 400 stran

S laskavým svolením umělkyně

Željka Aleksić je umělkyně, která pracuje s malbou, performancí a objektovými instalacemi. Zkoumá, jak ekonomické reality a společenská očekávání ovlivňují jak uměleckou tvorbu, tak každodenní život. Její práce vychází z vlastní životní zkušenosti. Jako umělkyně pocházející z dělnického a migrantského prostředí otevírá pomocí jednoduchých a často nenápadných vizuálních a performativních gest různá témata: kdo jsme, co považujeme za hodnotné, a také otázky zdraví, týkající se zejména lidí ocitajících se v nejistých zaměstnáních nebo v náročných situacích. Její tvorba se pohybuje na pomezí zranitelnosti a kritického postoje a nutí nás přemýšlet o úskalích uměleckého povolání. Zároveň upozorňuje na prekérní zkušenost střídání rolí „umělkyně“ a „pracovnice“. Ústřední myšlenkou jejích děl je nerovnost v samotném uspořádání společnosti. Zabývá se také vyčerpáním a nemocemi souvisejícími s prací, které staví do kontrastu s tlakem společnosti na to vypadat přijatelně „krásně“.

Část jejího diplomového projektu Kapitál dokumentuje, jakým způsobem finančně přežívala během pěti let studia na Akademii výtvarných umění ve Vídni (2017– 2023). Odkaz na Karla Marxe je záměrný: propojuje ústřední myšlenky díla s jeho teoriemi práce, hodnoty a společenské moci. Publikace obsahuje různé materi- ály, například fotografie pořízené během doby, kdy pra- covala jako uklízečka; snímky zachycují, jak se její tělo měnilo v důsledku velmi náročné fyzické práce. Dále zahrnuje originály výplatních pásek, účtenky a úřední dokumenty z rakouského systému sociálního zabez- pečení. Na poslední stránce je umístěn její univerzitní diplom. Cenovka vedle knihy ukazuje celkový příjem, který si za těch pět let vydělala, a nabízí svazek k pro- deji včetně diplomu. Celková suma 54 312 € vyvolává otázku: „Kolik stojí stát se umělkyní?“ Některé z původních dokumentů obsahují citlivé informace. Z tohoto důvodu je k volnému prohlížení určena kopie knihy. Do originálu je možné nahlédnout pouze za přítomnosti ostrahy nebo musí být bezpečně uložena za sklem.

* Breslau, dnešní Vratislav (PL), 1933 | † Berlín (DE), 2023

Sadista bije zjevně nevinného
1971
video, digitalizovaný film Super 8, 5:58 min

Peč, peč koláč
1973
video, digitalizovaný film Super 8, 16:54 min

Každý den znovu – Nechte je houpat
1974
video, digitalizovaný film Super 8, 20:19 min

S laskavým svolením pozůstalosti Margaret Raspé, galerie Molitor a Deutsche Kinemathek v Berlíně

Tvorba Margaret Raspé je silně sebereflexivní a vždy vychází z každodenní reality. Filmy, které natočila pomocí „přilbové kamery“ v 70. a 80. letech, sledují práci jejích vlastních rukou. Jako rozvedená matka tří dětí trávila dny vařením, praním a úklidem, tedy činnostmi, které vykonávala automaticky a neustále dokola. Aby tento proces mohla zkoumat, připevnila kameru Super 8 na stavební helmu a začala natáčet film, čímž zaznamenávala sama sebe při práci. Videa zachycují běžné domácí úkony, jako je mytí nádobí, šlehání smetany nebo pečení. Působí neobvykle, protože kamera vše zachycuje z pevné perspektivy první osoby. Filmy kladou otázky ohledně toho, jak si tělo osvojuje činnosti prostřednictvím návyku, i o společenských normách, které ženám dlouhodobě tyto práce nakazovaly. Margaretin berlínský domov se zahradou byl místem každodenních činností, ale také umění a setkávání. Zároveň věnovala pozornost širším environmentálním souvislostem skrytým v každodenních aktivitách. Šlehačka v její kuchyni odkazuje na průmyslový chov zvířat a jídlo na stole k systémům produkce a spotřeby, které dalece přesahují prostor domova.

* Nairobi (KE), 1985

Ekologie domova
2026
výběr ze série, olej na plátně

Rozbité struktury
77 × 91 cm

Společenská provázanost
87 × 125 cm

Břemeno ticha
80 × 130 cm

Prázdní králové
87 × 60 cm

Skrytý příběh (Demokracie)
130 × 230 cm

S laskavým svolením umělce

„Věřím, že v očích toho, kdo se pozorně dívá, nebude bohatství nikdy vystihovat bohatého a chudoba chudého.“ (úryvek z textu Here I Stand od Shabua Mwangiho, 2026)

Shabu Mwangi je malíř, básník a komunitní organizátor. V roce 2003 spoluzaložil kolektiv Wajukuu Art Project, umělecké sdružení z Nairobi, které prostřednictvím umění a kultury podporuje mladé lidi žijící ve slumu Mukuru. Mukuru patří k největším neformálním osadám ve městě a v současnosti čelí vládou nařízenému procesu demolice, jehož cílem je připravit půdu pro privatizaci pozemků a takzvaný urbánní rozvoj. Série obrazů nazvaná Ekologie domova navazuje na Mwangiho dlouhodobý zájem o tuto lokalitu. Zaměřuje se na dávnou historii vykořisťování, která začala už v koloniálním období, zejména na způsoby využívání půdy a jejího odnímání lidem. V souvislosti se současným vystěhováváním a demolicemi, které často probíhají bez oznámení a nelegálně, si Mwangi klade otázku: co vlastně znamená domov? Série zachycuje čas, vzpomínky, příběhy, emoce i identitu komunity, která čelí vysídlení a ocitá se v sevření mezi státní kontrolou a kapitalistickým vykořisťováním. Tento soubor prací představuje danou lokalitu jako živý ekosystém s vlastní identitou a sociálními vazbami. Připomíná, že navzdory svým problémům je Mukuru, stejně jako mnoho dalších ohrožených míst po celém světě, domovem lidí, kteří si zaslouží důstojnost a právo rozhodovat o budoucnosti své čtvrti. Mwangiho umělecký jazyk vychází z prožitých emocionálních zkušeností, ze závazku vyzdvihovat umlčované hlasy a z naléhavé potřeby odmítat identity, které jsou z mocenských pozic vnucovány ostatním. Jak sám říká, struktura, forma a symboly v jeho obrazech nám připomínají, jak křehkým se život stává ve chvíli, kdy lidé ztrácejí svou důstojnost a politické představitelstvo pokoru.

* Damašek (SY), 1990 | → Vídeň (AT)

Opětovná návštěva, dějství první
2024
digitální kolážový tisk na textilu, 49,5 × 494,8 cm, 51,2 × 409,7 cm, 82,8 × 124,1 cm

A ještě jedna věc
2024
dvoukanálová videoinstalace, HD, barva, černobílá, zvuk, 24:12 min

Opětovná návštěva, dějství čtvrté
2026
digitální kolážový tisk na textilu, 130 × 320 cm

S laskavým svolením umělkyně a galerie Crone Berlin, Vídeň

Huda Takriti se narodila v Sýrii a dnes žije ve Vídni. Ve své tvorbě se zabývá tématy paměti, koloniální historie, archivů a způsobů, jakými se tvoří vyprávění minulosti. Pracuje s videem, instalací a koláží a často se zaměřuje na příběhy, které byly zapomenuty nebo umlčeny, zejména ty související s regionem SWANA. Její tvorba zkoumá, jak se utvářejí, zaznamenávají a někdy i vymazávají osobní i kolektivní vzpomínky; často přitom propojuje dokumentární přístup s imaginativním vyprávěním.

Opětovná návštěva (Dějství první a Dějství čtvrté) je série digitálních kolážových tisků na textilu, vycházející z videa A ještě jedna věc. Ve videu vypráví Hudina matka Souheir Takriti příběh svých rodičů a prarodičů, z nichž někteří žili se statusem palestinských uprchlíků. Vyprávění začíná Hudinou babičkou Hikmat al-Habbal, která byla rovněž umělkyní. Několik svých vyšívaných textilních prací záměrně ponechala nedokončených. Přestože Hudina matka ví, jak je dokončit, zůstávají rozpracované a stávají se tak výchozím bodem pro převyprávění rodinné historie. Otevírá se tím prostor pro další perspektivy a zároveň dochází ke zpochybnění převládajících historických narativů o vysídlování a vymazávání, které přetrvávají dodnes.

Namísto dokončení výšivek našla Huda Takriti vlastní uměleckou cestu, jak v této mezigenerační rodinné praxi pokračovat. V sérii Opětovná návštěva skenuje jednu z původních nedokončených textilií, jako by skener představoval šicí stroj. Poté vytváří koláže vrstvením tohoto motivu s rodinnými fotografiemi a tiskne je na látku dlouhou přes čtyři metry, čímž natahuje čas a manipuluje s ním. Zatímco původní výšivka zůstává nedokončená – jako zrcadlo pokračující destrukce způsobené Nakbou –, Takriti dál probouzí historii, kterou je třeba vyprávět a uchovávat v paměti.

* Spišská Nová Ves (CS), 1981 | → Praha (CZ)

Pšenice a koukol
2026
sprej na plátně, 100 × 150 cm, Ø 100 cm, 100×150 cm, Ø 100 cm, 100×150 cm, Ø 100 cm, 100×150 cm, Ø 100 cm, 120×200 cm

S laskavým svolením umělkyně

Ladislava Gažiová je umělkyní, která dlouhodobě rozvíjí malbu sprejem přes vyřezávané šablony na nenašepsované plátno (tj. bez šepsu – bílého podkladového nátěru). Ve svém díle poeticky ztvárňuje každodenní předměty a děje. Její obrazy jsou ale zároveň melancholické a skrývají v sobě neklid. Právě skrze ten se nepřímo vztahují k současnému dění ve společnosti. Ve svém díle pro bienále Ve věci umění 2026 se autorka obrací k více nadčasovým tématům. Přináší novou malířskou instalaci sestávající z devíti obrazů inspirovaných představami o čase a bytí jako kruhu. Jsou spjaté se slunečním cyklem dne a noci a souvisejícími ikonami. Díla se také inspirují tkanými koberci s geometrickými vzory. Tato geometrie odkazuje na trpělivost a řád, ale také na všeprostupnost živoucího bytí, která se dá chápat i spirituálně. Jde především o motiv pšeničných klasů, který obrazně propojuje kosmické s každodenním. Nacházíme zde pokoru a přijetí nevyhnutelnosti. Svým prostorovým uspořádáním odráží tuto kruhovou geometrii taktéž celek instalace.

* Grodno (BY), 1990 | → Praha (CZ)

#FramedInBelarus
2021–2025
ruční výšivky na různých textiliích, 678 kusů, různé rozměry

S laskavým svolením umělkyně

Rufina Bazlova zahájila společně s historičkou umění Sofií Tocar dlouhodobý sociální projekt, který upozorňuje na porušování lidských práv, po běloruských povolebních protestech v roce 2020 a následné násilné represi. Bazlova spolupracuje s jednotlivci i komunitami na vyšívání příběhů politických vězňů a vězeňkyň, aby zviditelnila osoby a události, které se běloruský režim snaží vymazat z historie.

Účastnictvo vytvářející jednotlivé výšivky je umělkyni zasílá často doplněné o osobní komentáře. Vizuální jazyk, který autorka rozvinula a nazývá jej „vyžívankou“, spojuje běloruská slova pro „vyšívat“ a „přežít“. Vychází z tradičních běloruských ornamentů a využívá kombinaci bílé a červené, která je dnes spojována s politickou opozicí.

Distribuovaný aktivismus propojuje různé jednotlivce a skupiny do nadnárodní sítě protestu a solidarity. Projekt chápe řemeslo jako důležitou kulturní praxi, ale také jako způsob sdílení znalostí a podpory nezávislosti. Otevírá otázku, jak lze politické angažmá vizuálně sdílet a posilovat. Od roku 2021 se do projektu zapojilo více než osm set lidí ze čtyřiceti jedna zemí. Projekt se týká vyšívání, ale zároveň vytváření něčeho většího: mnozí účastníci a účastnice uvádějí, že díky němu začali vnímat politickou situaci osobněji a více se občansky angažovat.

Tento projekt je podpořen programem ArtPower Belarus za finanční podpory Evropské unie.

* Kyjev (UA), 1986 | † Záporožská oblast (UA), 2025

Se stuhami a prapory
2022–2024
výběr děl z projektu Se stuhami a prapory, akvarelová grafika na papíře, výstavní kopie, různé rozměry

S laskavým svolením umělcovy rodiny

Projekt Se stuhami a prapory je posledním dílem ukrajinského umělce a anarchisty Davyda Čyčkana. Dokončil ho ještě předtím, než se dobrovolně přihlásil k obraně Ukrajiny proti ruské agresi. Byl zabit na frontě 10. srpna 2025. Grafická série zobrazuje kolektivní portréty anarchistů, anarchistek a antiautoritářských levicových aktivistů a aktivistek, kteří bojují za Ukrajinu nebo při její obraně položili život. Spojuje vojáky a vojačky z různých jednotek do jediné kompozice, aby ukazovala soudružnost levicových hnutí a veřejný život na Ukrajině před plošnou invazí. Čyčkan byl klíčovou postavou ukrajinského antifašistického a anarchistického hnutí. Často oslavoval marginalizované postavy a málo známé dějiny odboje. Jeho výstavy byly mnohdy terčem útoků krajně pravicových skupin. Série se rovněž obrací k historickým událostem; odkazuje na Ukrajinskou lidovou republiku a Huljajpolskou republiku, první anarchistický stát na světě, který existoval mezi lety 1918 a 1921 v Záporožské oblasti. Nestor Machno, zakladatel tohoto hnutí, se objevuje v několika portrétech jako ikona odporu proti ruskému imperialismu. Čyčkan zemřel ve stejné oblasti, která byla před stoletím ohniskem vzdoru ukrajinských anarchistů a anarchistek. Bojoval za nezávislou Ukrajinu, kterou definoval jako „v základu socialistickou a antiautoritářskou.“

* Gottwaldov, dnešní Zlín (CS), 1989 | → Pardubice (CZ)

Bez názvu (Skorpion Republic I.)
2026
série fotografických koláží a kreseb, 96 × 112 cm, rámováno / Technická spolupráce Michal Blecha

Bez názvu (Skorpion Republic II.)
2026
série fotografických koláží a kreseb, 96 × 112 cm, rámováno / Technická spolupráce Michal Blecha

Bez názvu (Skorpion Republic III.)
2026
série fotografických koláží a kreseb, 96 × 112 cm, rámováno / Technická spolupráce Michal Blecha

Nedokončený milostný dopis
2020
video, 1 kanál, 23:20 min

S laskavým svolením umělce

Jiří Žák se primárně věnuje pohyblivému obrazu a participativnímu divadlu. Prostřednictvím fikce a vyprávění zkoumá dějiny. Jeho práce fakta a fikci propojují poetickým a nelineárním způsobem. Tento přístup umožňuje diváctvu navázat s historií osobní a emocionální vztah, což může zpochybnit tradiční pojetí a otevřít je kritickému přehodnocení.

Prezentované video a koláže jsou součástí Žákova dlouhodobého umělecko-výzkumného zájmu o historii obchodu se zbraněmi a jeho roli v mezinárodních vztazích Československa a zemí globálního Jihu. Žák tento výzkum zahájil v roce 2015 jako reakci na válku v Sýrii a následnou migrační situaci. Už více než deset let se zabývá rolí České republiky (a dříve Československa) jako významného producenta zbraní a zpochybňuje představu české společnosti jako pacifistické a nenásilné. Nedokončený milostný dopis se vrací do období studené války. Využívá útržky z propagandistických filmů z 60.–80. let, které oslavovaly Československo za výstavbu továren v Sýrii. Mluvený komentář ve videu se obrací k diváctvu jako zpověď o nezdravém milostném vztahu. Hovoří o moci, péči a upřímných citech a zároveň naznačuje tajné rozsáhlé vývozy zbraní, k nimž v té době docházelo. Fráze „mějme dnes v noci stejný sen“ odkazuje na někdejší ideu mezinárodní solidarity, která tyto exporty kdysi ospravedlňovala. O několik desetiletí později se však tato myšlenka ukázala jako bezvýznamná, když Česká republika porušila právo EU tím, že odmítla přijmout (převážně syrské) uprchlictvo.

* Lvov (UA), 1991 | → Varšava (PL)

Probíhající apokalypsa
2026
instalace, textil, plast, mušle, dřevo, sklo, peří aj., různé rozměry

Nový umělecký projekt pro bienále Ve věci umění 2026

Sochařská tvorba Bačynsjkého vychází z jeho zkušenosti s nomádským životem po plošné invazi na Ukrajinu. Pracuje s oblečením a každodenními materiály, které jsou snadno dostupné, a dává tak vizuální i materiální podobu zkušenostem, které jsou jak osobní, tak sdílené. Fragmenty vlastního oděvu, nalezené textilie, staré kožešiny, peří, rozbité hračky či korálky proměňuje v objekty připomínající lidové sbírky, běžné předměty, náboženské obrazy i těla, která se vymykají „normálním“ kategoriím. Prostřednictvím sbírání, vrstvení, sešívání a kombinování díla odhalují prožitou zkušenost a připomínají nám, jak lidé šili v dobách, kdy byl materiál vzácný.

Bačynsjkyj také píše krátké texty, v nichž – jako queer ukrajinský umělec žijící v podmínkách války a migrace – sdílí své myšlenky. Díla působí hravě, ale zároveň lehce znepokojivě; využívají to, co je právě po ruce, aby zprostředkovala křehkou realitu, které lidé čelí. Autor o sobě hovoří jako o „mutantovi“ a jeho tvorba setrvává v rozporech, limitech a představách o identitě, místě i stylu, které nelze pevně ustálit.

* Varšava (PL), 1992

Mutantky
2024
multimediální instalace, digitální tisk na papíře, MDF deska, žárovky, 245 × 203 cm, 245 × 183 cm

S laskavým svolením umělkyně

Nadia Markiewicz je jednou z výrazných polských umělkyň nejmladší generace. Pracuje především s performancí, videem, objektovou tvorbou a instalací. Její tvorba vychází z uměleckého výzkumu historie těl, která neodpovídala představám o „zdravé“ a „normální“ tělesnosti. Těla s „hendikepy“ byla často vytlačována na okraj společnosti nebo vystavována jako bizarní kuriozity v cirkusech a na zábavních poutích.

Autorka však svou vlastní tělesnou „jinakost“ skrze svoji uměleckou tvorbu vystavuje všem na odiv. Zkoumá ji, čímž narušuje hranice toho, co považujeme za normální a krásné. Monumentální dílo Mutantky zahrnuje fotografie květin, ve kterých se náhodně objevily genetické mutace. Ve světě pěstitelství jsou tyto květiny předmětem obdivu; pěstitelstvo je kříží, aby se zachovaly a dále se rozmnožovaly. Vzácné mutace jsou považovány za něco krásného. Markiewicz ve svých plastikách dále pracuje se svítícími žárovkami a odkazuje na estetiku cirkusu a zábavních poutí. Autorka nás tak nutí se zamýšlet nad tím, co považujeme za atraktivní a proč.

Praha (CZ), 2022

Stan
2026

PŘED VSTUPEM DO STANU SI PROSÍM ZUJTE BOTY

kroužek intersekce je komunita, která vytváří nezávislý prostor kolektivního učení. Pořádá veřejná setkání, kde se diskutuje nad současnou feministickou literaturou a experimentuje s podobami učení bez učitele. Pro bienále vytvořil kroužek intersekce mnohovrstevnaté dílo. Jde o devět kolektivních čtení, setkání ve výstavním prostoru. Slovo „kroužek“ poukazuje na snahu vyjmout teorii z nedostupného akademického prostředí a na důležitost dětskosti i hry. „Intersekce“ znamená propletenost různých forem společenských nerovností, které se během setkávání pojmenovávají. Kroužek diskutuje také o způsobech, jak tyto nerovnosti společně narušit. Řeší přitom revoluční představy, svobodné sdružování, budování dovedností, které napomáhají spolupráci, či narušování hierarchií uvnitř kolektivu. V rámci Stanu se věnuje společné správě místa. Sdílí infrastrukturu s uskupeními, která nemají svůj vlastní prostor, nastavuje pravidla sdílení a skrze ně testuje principy kolektivní odpovědnosti. Posouvá tím institucionální prostředí k větší otevřenosti hlasům a potřebám těch, kdo stojí mimo rámec kurátorského výběru i zavedených představ o tom, co je umění. Stan je možné si rezervovat skrze rezervační formulář a využít jej podle stanovených pravidel. Záměrem kurátorstva je skrze tento projekt posouvat představy o tom, čím vším může bienále umění být. Kromě výstavy a doprovodného programu se může stát i prostorem pro společnou práci, sdružování a organizování i jakousi laboratoří společné správy veřejných statků.

* 1994, Tyre (LB)
* 1994, Byblos (LB) | → Praha (CZ), 2025

Zatím tady (هنا حتى الآن)
videoinstalace, 3 x dvoukanálové video, 6:55 min, 6:16 min, 7:10 min

Nový umělecký projekt pro bienále Ve věci umění 2026

Zaher Jureidini a Leila Basma tvoří filmařské duo z Libanonu. V současnosti žijí a pracují střídavě v Praze a Bejrutu. Oba studovali na FAMU a spolupracují již řadu let; své filmy uvedli na významných filmových festivalech, jako jsou Benátky, Karlovy Vary a Pusan. Jureidini působí jako kameraman, zároveň se však věnuje kurátorské a výzkumné práci. Zajímá ho, jakým způsobem mohou film a video ovlivňovat naše chápání historie a politiky. Basma je filmová režisérka a fotografka a vyučuje scenáristiku a režii na FAMU. Založila také projekt Arab Girls in Film, který podporuje arabské filmařky a trans a nebinární tvůrce a tvůrkyně v regionu SWANA (země jihozápadní Asie a severní Afriky) i po celém světě.

Pro bienále Ve věci umění 2026 vytvořili Basma a Jureidini sérii videoportrétů. Natáčeli lidi z komunity SWANA, kteří žijí v Praze. Jejich dílo zahrnuje tři dvou kanálová videa. Ta propojují osobní portréty, záběry z domácího prostředí a úvahy o tom, co znamená „domov“, když od něj člověk žije daleko a hrozí ztráta vzpomínek.

Videa představují konverzaci o vzdálenosti a sounáležitosti. Ukazují, jak život mimo rodnou zemi proměňuje vnímání identity a jak v Evropě – místě, kde jsou migrace a pocit sounáležitosti častým předmětem debat – mohou vznikat nové komunitní a podpůrné struktury. Zatím tady je jak osobním pohledem na životy rozkročené mezi několika místy, tak jakýmsi naléhavým archivem. Snaží se uchovat příběhy a identity, které by jinak mohly být zapomenuty.

* Karviná (CS), 1989 | → Katánie (IT)
* Zlín (CS), 1991 | → Praha (CZ)

Smyslový úkryt
2026
instalace, akryl, kovová konstrukce, textilie z druhé ruky, recyklovaná paměťová pěna, 4,4 × 2,7 × 2,7 m

S laskavým svolením umělkyň

Smyslový úkryt je spolupráce malířky Bronislavy Orlické a textilní designérky Zuzany Smrkovské. Společně pracují od roku 2017. Ve své dřívější tvorbě využívaly pletací stroj Brother KH 950 z 90. let propojený s mikrokontrolérem Arduino a open-source softwarem AYAB. Pomocí této technologie vyplétaly poetické texty do jemných polo průsvitných textilií. Smyslový úkryt je jejich druhý volně stojící objekt. Kombinuje malířský a kreslířský přístup Orlické s technickou a programátorskou expertízou Smrkovské. Nápad vzešel z dlouhodobého zájmu Orlické o způsoby, jakými malba dokáže u diváctva vyvolat tělesné prožitky. Malba může pomáhat zklidňovat smysly ve chvílích, kdy jsme přehlceni. Hluk, ostré světlo a přeplněné prostory mohou způsobovat stres, únavu, problémy se spánkem i další zdravotní obtíže, ať už jsme si toho vědomi, nebo ne. Většina z nás těmto přetěžujícím podnětům čelí každý den, přičemž to často vůbec nevnímá.

Smyslový úkryt přesahuje čistě vizuální zážitek. Klade stejný důraz na hmat a nabízí tělesnou zkušenost, která umožňuje mysli i tělu se uvolnit a vzpružit. Návštěvnictvo je vyzváno, aby si vypnulo telefony a ponořilo se do měkkého a tichého prostředí, vnímalo uklidňující barevnost, načerpalo energii a dopřálo si chvíli klidu chráněnou před vnějším světem. Spirálovitý tvar díla, připomínající šnečí ulitu, odkazuje na pomalejší způsob života. Ten se zaměřuje na péči o vlastní zdraví i životní prostředí a odvrací se od přepracovanosti a „hustle culture“ (tlaku být neustále produktivní), tedy jevů typických pro dobu pozdního kapitalismu.

* Karviná (CS), 1989 | → Katánie (IT)

Útroby
2025
olej na plátně, 40 × 50 cm

Žlutá membrána
2025
olej na plátně, 75 × 65 cm

Ochranná schránka
2026
olej na plátně, 70 × 65 cm

S laskavým svolením umělkyně

Bronislava Orlická absolvovala Akademii výtvarných umění v Praze, kde studovala v malířském ateliéru Jiřího Sopka. Její umělecká praxe se soustředí především na malbu a kresbu, pro které je charakteristický minimalismus, imaginativní gesta a jemné barevné přechody. Od roku 2013 zároveň rozvíjí vlastní specifický vizuální jazyk v oblasti tetování a podílí se na projektech propojujících poezii, výtvarné umění a pletení. Malby vybrané pro bienále Ve věci umění 2026 odrážejí její dlouhodobé zájmy. Zkoumají emoční kvality barvy (Útroby, Žlutá membrána) i naše vnitřní sebeobranné mechanismy (Ochranná schránka). Fascinuje ji zranitelnost a způsob, jakým umění působí na tělesné prožívání. Tento zájem vychází ze současné reality, v níž mnoho lidí trpí nemocemi spojenými se stresem, navzdory rozsáhlým ekonomickým, technologickým a medicínským možnostem a inovacím. Miliony lidí dnes předčasně umírají na onemocnění, kterým lze předcházet, nebo kvůli problémům, k jejichž řešení již máme dostupné prostředky. Nejnovější tvorba Orlické se vymezuje vůči tempu moderního života i tlaku na užitečnost, produktivitu a úspěch. Vyzývá k hledání tichého, zapomenutého prostoru uvnitř nás samých; prostoru, který nám umožňuje ocenit myšlenky, jež nejsou „užitečné“, uvědomit si potřebu odpočinku a nečinnosti a zakusit to, co autorka nazývá „luxusem nudy“; tedy pocit, že máme dostatek času.

Praha (CZ) 2024

Shella Radio je nezávislá, komunitně orientovaná platforma, jejímž cílem je podporovat a propojovat umělectvo a kulturní projekty z Prahy se zbytkem světa. Slovo shella pochází z egyptského arabského slangu a znamená „skupinu přátel, kteří společně něco podnikají“. Shella byla založena v roce 2024 a funguje jak online, tak ve fyzickém prostoru. Poskytuje platformu novým umělcům a umělkyním a zkoumá co nejširší pojetí toho, čím se rádio může stát. Aktivity Shella zahrnují politické talk show, panelové diskuse, experimentální videoart, veřejné poslechové akce, klubové večery či letní markety, na nichž se prezentuje místní umělecká, šperkařská a tatérská tvorba. V centru jejich činnosti stojí elektronická hudba. Shella sídlí ve vyhlášeném pražském klubu Ankali a rozvíjí se společně se svou komunitou: jak po umělecké, tak po lidské stránce. Sdružuje lidi z různých prostředí a s různorodými dovednostmi a propojuje talentované umělectvo z Prahy mezi sebou i s mezinárodním publikem. Zároveň zve známé zahraniční tváře ke společnému vysílání s lokálními tvůrci a tvůrkyněmi. Buduje skutečné vazby a podporuje vzájemnou výměnu. Přenáší klubovou zkušenost za hranice klubu: zaznamenává debaty a interview a archivuje hudbu i konverzace, které z klubové kultury činí smysluplný, a někdy i politický prostor. V rámci bienále Ve věci umění organizuje Shella živé akce a přenáší svou poslechovou stanici přímo do výstavního prostoru. Její činnost je ale zalo žena především na vztazích. Nelze ji zaškatulkovat. Žije a rozvíjí se tam, kam přirozeně patří: v klubu.

* Prešov (CS), 1990 | → Bratislava (SK)

Vnútorné záležitosti
2026
instalace:
kresby, barevné pastelky, akryl a otisky prstů na papíře, 100 × 60 cm, 100 × 240 cm

socha, drát, bílá příze, gáza, průmyslová hadice, 300 × 55 × 150 cm

objekty, dřevěná konstrukce, rýžový papír, kašírované objekty, průmyslová hadice, kanyla, okvětní lístky růže, krabičky od léků, šnečí ulity, textil, kvaš, kresba na papíře, různé rozměry

Nový umělecký projekt pro bienále Ve věci umění 2026

Aliza Orlan se věnuje kresbě, práci s textilem a objekty, performanci a textu. Ve svém díle pracuje se svou identitou, tělem a sexualitou. Kritizuje politické strategie, které queer identity utlačují. Její kresby jsou výsledkem mnohaměsíční trpělivé práce. Svou formou a spirituální hloubkou odkazují na tvorbu americké vizionářské umělkyně Georgie O’Keeffe (1887–1986). V jejích symbolických dílech se vyskytují netypická těla, rozrůstající se do květinových a zvířecích motivů. Vytváří oživlou krajinu, která může působit i eroticky. Autorka vyrůstala v protestantském prostředí. Také to je důvodem, proč se věnuje náboženským a spirituálním tradicímz queer pohledu.

V novém díle pro bienále Ve věci umění 2026 se inspiruje antickým náboženským kultem Kybelé a jejích transgender kněžek Galli. Spojuje jej se svou osobní zkušeností tranzice. Objekty z prázdných krabiček od hormonálních léčiv kritizují pojetí trans těl výhradně skrze lékařské vidění. Instalace promlouvá o bohaté a málo známé historii queer spirituality a postav z minulosti, které se vzpíraly tradičním genderovým rolím. Vlastní zkušenost autorky je spojuje se současností. Její dílo je odvážné, ale mění nás především svou citlivostí a krásou.

* Bratislava (CS), 1986 | → Praha (CZ)

Identita – kolekce záznamů
2014–2015
kresby (výběr 24 ze série 234 kusů), pastel na papíře, 8 ks 29,7 × 21 cm, 14 ks 32 × 24 cm, 2 ks 25 × 25 cm

S laskavým svolením umělkyně

Hana Garová na bienále Ve věci umění 2026 představuje ucelený soubor kreseb Identita – kolekce záznamů. Série vznikala v přibližně dvouletém období po autorčině absolvování Akademie výtvarných umění v Praze. Tehdy autorka intenzivně hledala vlastní identitu i uměleckou cestu. Musela, jako všichni absolventi, opustit prostředí školy, ale ještě navíc se rozhodla záměrně se izolovat v ateliéru a odmítala účast na výstavách.

V tomto období Hana Garová nachází vlastní identitu. Děje se tak skrze obsesivní deníkovou kresbu a malbu. Mapuje nejen svou osobnost, ale také nalézá svůj svébytný malířský jazyk. Osobní pocity a výrazové prostředky jsou v její tvorbě neoddělitelné. Když tvořila vystavená díla, začínala umělkyně vždy pohledem na vlastní tvář či se nořila do vlastních myšlenek. Podoba jejího já se stává více figurativní či naopak abstraktní v dynamickém procesu. Ztvárňuje nejrůznější emoce, smutek, vztek, odcizení, ale i extatickou radost. Emoce v jejích kresbách nelze vyjádřit slovy. Jsou příliš intenzivní. Představují tavicí kotlík, ve kterém se mísí a unikají kategoriím.

V souvislosti s tématy kreseb mluví o dysforii, hledání genderové identity, neopětované touze či duševní nevyrovnanosti. Práce na nich jí pomáhala tyto problémy pochopit, řešit a překonávat. Dílo tak silným způsobem reprezentuje umělecký proces jako žitou nutnost. Ta je dále umocněna faktem, že dílo nikdy nemělo být vystaveno a vznikalo primárně pro soukromé účely.

* Poti (GE), 1998 | → Tbilisi (GE)

Poslední bazilika
2026
instalace, sklo, plsť, kovová konstrukce, světelné boxy, 260 × 200 × 290 cm

Nový umělecký projekt pro bienále Ve věci umění 2026

Poslední bazilika je dílem gruzínského umělce, kurátora, historika umění a badatele Davida Apakidzeho, vytvořeným pro bienále Ve věci umění 2026. Apakidze nahlíží na gruzínské pravoslavné obrazy z queer perspektivy a hledá v nich skryté významy, zvláště v době, kdy neheterosexuální lidé čelí násilí a odpírání sdílených symbolů, identity a víry. Instalace přetváří podobu první gruzínské baziliky Bolnisi Sioni z 5. století. Jde o nejstarší dochovaný kostel v zemi, známý svými ranými gruzínskými nápisy a Bolniským křížem jako významným symbolem. Tím, že zde baziliku prezentuje jako „poslední kostel“ na konci věků, Apakidze zpochybňuje neměnnost náboženské moci a ptá se, jak by mohly nové spirituální identity a komunity v současnosti reinterpretovat náboženské tradice, symboly a prostory.

Sochařská instalace odkazuje k historické architektuře, ale nahrazuje kámen plstí. Tento měkčí materiál narušuje pevnou „mužnou“ estetiku kostelních staveb a dodává jí haptický a rukodělný charakter spojovaný s řemesly, která tradičně vykonávají ženy. Vitrážová okna kombinují motiv čtyř jezdců apokalypsy s popkulturními náměty a proměňují tradiční funkci sakrální architektury. Namísto pouhého vpouštění světla dovnitř je vysílají ven, za hranice zdí.

* Žilina (CS), 1988 | → Praha (CZ)

Bez názvu
2026
digitální tisk na tapetě, 250 × 330 cm

Udělal jsem, co jsem mohl
(ze série Poté, co jsi odešel)

2017
fine art print na papíře, 61,5 × 40,5 cm

Plevel
(ze série Poté, co jsi odešel)
2017
fine art print na papíře, 70 × 50 cm

Lilianova „celebrity“ bunda
(z performance V hovorech:
Kompozice subjektů a významů)
2023
ruční a strojová výšivka, flitry, korálky, 120 × 90 × 40 cm

Lilianův zvonový klobouk
(z performance V hovorech: Kompozice subjektů a významů)
2023
ruční a strojová výšivka, flitry, korálky, přibližně 40 × 55 × 55 cm

Hvězdin falický pás
(z performance V hovorech: Kompozice subjektů a významů)
2023
ruční výšivka, flitry, korálky, přibližně 160 × 100 × 190 cm

S laskavým svolením umělce

Jan Durina je umělec, který vešel ve známost fotografickou prací. V posledních několika letech se ale více věnuje performanci, textilní tvorbě a kresbě. Autor na výstavě představuje svá starší díla, která ale poprvé vystavuje společně. Ukazují témata, která jsou pro autora typická. Jde především o pohled na vlastní queer identitu osoby, která svou maskulinitou narušuje tradiční normy a společenská očekávání. Durinova tvorba je úzce provázaná s jeho osobním životem, jeho uvažováním, emocemi a zkušenostmi. Do umělecké tvorby vchází jako do svého úkrytu. Také nám v něm poskytuje útočiště. I my zde můžeme sdílet svou zranitelnost a své emoce v jejich složitosti. Durina ve vybraných fotografiích ukazuje maskulinitu odmítající patriarchální mýtus o muži, který je pánem světa a všechny vykořisťuje. Místo toho tu vystupuje jako nutná součást křehkých

a nedokonalých vztahů ve společné vzájemnosti. Vystavené textilní práce měl autor sám na sobě během svých performancí. Vznikly precizní ruční prací a připomínají šitou kresbu. Móda a oděv ostatně hrají v autorově umělecké tvorbě důležitou roli. Ve svém nyní již zaniklém hudebním projektu For You Katrina autor představoval postavu, která měla na sobě zvláštní masku a kostým inspirované klubovou kulturou. Zahaleni v masce a kostýmu totiž můžeme pociťovat různé protichůdné pohnutky a nutkání, i ty, které jsme nikdy nezažili.

* Bratislava (SK), 1998 | → Praha (CZ)

Zůstala jsem dokořán snědli mě
2021
videoinstalace se stereo zvukem, 18 min

S laskavým svolením umělkyně

Tina Bxtq je slovenská multimediální umělkyně žijící v Praze. Pracuje primárně se sochou a performancí. Zabývá se významem monstrozity. Podle queer teorie jsou monstrózními nazývána těla, která vybočují ze společenských očekávání, těla, která jsou nebo chtějí být jiná. Ve videoinstalaci, která je záznamem performance, se vyjevují úzkosti i fantazie, které jsou spojené se stáváním se monstrem. Tělo anděla zde není celistvou bytostí. Je to prostupné a tekuté rozhraní. Povrch a vnitřek tu nelze rozeznat. Ostatní postavy se spoutanýma rukama, které anděla požírají, symbolizují toxické mezilidské vztahy. Připomínají nám naši touhu neustále porušovat hranice a vytěžovat přírodu i sebe samé.

* Berlín (DE), 1967

Teplo, které dokáže dát jen oheň – série portrétů
1991–1993
portrétní série analogových fotografií:

Sedmý zápal plic
říjen 1991
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

V nemocnici Auguste-Viktoria
listopad 1991
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Bez názvu
prosinec 1991
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Novoroční ráno
leden 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

V dragu

únor 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

V posteli
březen 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Akt/Tiergarten Berlín

duben 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Hřbitov v Budapešti
květen 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Demonstrace ACT-UP na den Gay Pride, Berlín

červen 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Preventivní léčba PCP
červenec 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Interview v televizi

srpen 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

V „květinovém pokoji“

září 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Třiatřicátiny

říjen 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Bez názvu

listopad 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Vánoce v nemocnici
Auguste-Viktoria
prosinec 1992
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

S přítelem

leden 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Jeho náhrobní kámen

únor 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Infuze s léky proti bolesti

březen 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Absťák

duben 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Jaro

květen 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Endoskopie

červen 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Nedělní odpoledne při zmrzlině

červenec 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Na balkoně v novém bytě

srpen 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Prohlížení výlohy na vozíčku

září 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Akt/Nemocnice Auguste-Viktoria

říjen 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

Doma v posteli

listopad 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

4. prosinec

prosinec 1993
želatinový stříbrotisk, 43 × 32 cm, rámováno

S laskavým svolením umělce a Schwules Museum v Berlíně

V těsném dialogu s vystavenými díly německého fotografa Jürgena Baldigy (1959–1993) představujeme také sérii Teplo, které dokáže dát jen oheňsérie portrétů Arona Neuberta, jeho přítele, který jej fotografoval v posledním období života. Sám Baldiga ho požádal, aby dokumentoval jeho boj s nemocí AIDS. Jedná se jak o intimní pohled na osobní a každodenní život, tak o stylizovanější portréty. Fotografie dokazují, jak bylo umění pro Baldigu do poslední chvíle důležité. Skrze ně bylo také možné podat svědectví o postupné proměně nemocného těla a zároveň se stalo dokumentem o krizi spojené s virem HIV a jejími důsledky. V té době existovalo o nemoci málo informací. Byla společenským tabu a nemocní byli většinovou společností odsuzováni. Baldiga byl jedním z prvních soudobých autorů, kteří o AIDS v německém kontextu veřejně mluvili. Na jedné z fotografií například vidíme Baldigu na demonstraci německé odnože hnutí ACT UP („AIDS Coalition to Unleash Power“, Sdružení za boj proti AIDS, iniciativy založené v roce 1987 v New Yorku, která přímými akcemi bojovala proti předsudkům společnosti vůči AIDS a nečinnosti americké vlády). Na jiné zvrací a na další se opírá o svůj vlastní náhrobek. Všechny tyto fragmenty se spojují v jeden celek, kde se osobní prolíná s politikou viditelnosti, přijetí a hrdosti.

* Olštýn (PL), 1987 | → Varšava (PL)

Noční hlídka
2024
extrudovaný polystyren, dalekohled, protihluková sluchátka, 222 × 162 × 17 cm

Vyhnané diváctvo
2024
extrudovaný polystyren, dalekohled, protihluková sluchátka, 180 × 125 × 13 cm

Bez názvu
2024
extrudovaný polystyren, dalekohled, protihluková sluchátka, 180 × 125 × 13 cm

S laskavým svolením umělce

Černé polystyrenové reliéfy Cezaryho Poniatowského působí, jako by pocházely z budoucího archeologického naleziště. Jejich tvary jsou kompaktní, štítovité, připomínají fragmenty staveb, ale zároveň evokují malé svatyně či záhadné symboly. Jeho sochařská tvorba zkoumá napětí mezi vnějším a vnitřním a vztah této tenze vůči životu ve východní Evropě po roce 1989 v podmínkách kapitalismu. Díla vznikají lisováním, opětovným využíváním a ohýbáním materiálů. Každodenní předměty se proměňují v nositele paměti napříč generacemi a někdy působí podivně nebo se chovají nečekaně. Volba polystyrenu je zásadní; po roce 1989 se tento materiál stal v Polsku i v celé východní Evropě běžným prostředkem rychlých rekonstrukcí starších budov z období socialismu. Je levný, rychlý a efektivní, podobně jako překotné ekonomické proměny 90. a nultých let. Někteří lidé z těchto změn výrazně profitovali, zatímco jiní prodělali. Polystyren má zároveň hlubší historii. Vyrábí se z ropy, která vznikla z dávných rostlinných, živočišných i minerálních zbytků. Tento materiál tak propojuje hluboký (geologický) čas s praxí, která překrývá stopy nežádoucí minulosti.

* 1959, Essen (DE) | † 1993, Berlín (DE)

Autoportrét (s klaunským nosem)
1992
cibachromový tisk, 61 × 82 cm, rámováno

Melitta Sundström
1990
želatinový stříbrotisk, 103 × 73 cm, rámováno

BeV (jako Ježíš)
1992
želatinový stříbrotisk, 103 × 73 cm, rámováno

Ilse Lakritz
1988
želatinový stříbrotisk, 42 × 37 cm, rámováno

Pepsi Boston
1988
želatinový stříbrotisk, 52 × 42 cm, rámováno

Ichgola Androgyn
1988
želatinový stříbrotisk, 52 × 42 cm, rámováno

Renate Wanda de la Gosse
1988
želatinový stříbrotisk, 42 × 37 cm, rámováno

Erika Radke
1988
želatinový stříbrotisk, 42 × 37 cm, rámováno

S laskavým svolením Arona Neuberta a Schwules Museum v Berlíně

Jürgen Baldiga se narodil v roce 1959 v západoněmeckém Essenu. V roce 1979 se odstěhoval do Berlína, kde se pohyboval v queer a uměleckých kruzích. Psal básně, věnoval se performance, pracoval jako kuchař i sexuální pracovník. V roce 1984 byl diagnostikován jako HIV pozitivní. Začal fotografovat, přičemž se soustředil na dokumentární fotografii. Přináší tak originální pohled na západoněmeckou společnost 80. let, portréty obyčejných lidí na ulici a ze své pozice insidera dokumentovaný život okrajových komunit a subkultur.

Výběr fotografií ve výstavě je malým zlomkem jeho bohaté práce. Archiv jeho děl se nachází v berlínském Schwules Museum (schwul znamená německy gay). Vystavený výběr ukazuje pohled Baldigy na sebe sama a také pohled na komunitu, ve které se pohyboval. Autoportrét byl pro Baldigu prostředkem vynalézání a formování gay identity. Autoportréty se objevují v jeho praxi od začátku až do úplného konce. Jeho zápas s nemocí je pak námětem jeho vůbec posledního autoportrétu. Autor se s nasazeným klaunským nosem dívá kamsi do prázdna. Navzdory finálnímu stadiu nemoci není z této fotografie znát jen vyčerpání, ale také přijetí. Je to fyzická realita, kterou Baldiga věrně zobrazoval až do konce. Je to také fotografie, kterou si zvolil pro svůj nekrolog. Jürgen Baldiga byl jedním z prvních soudobých autorů, kteří o nemoci AIDS v německém kontextu veřejně mluvili. Prostřednictvím umění zobrazoval jeho dopady na těla i komunity. V té době existovalo jen málo informací a nemoc byla společenským tabu. Baldiga přesto hrdě stojí před fotoaparátem: jsem tady a teď a žiju. Mimo autoportrét jsou zde vystaveny portréty spřátelených drag queens (v němčiněse nazýval* die Tunten). Vystupoval* ve slavném berlínském queer klubu SchwuZ, který bohužel nedávno musel zavřít.

Rádi bychom poděkovali Aronu Neubertovi za projevenou otevřenost a důvěru při zápůjčce děl.

* Antverpy (BE), 1951

Terezín
1995
počítačová animace se stereo zvukem, 1:49 min

Seance
1993
soubor maleb na plexiskle v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Man, Vrouw en Kroon (Muž, žena a koruna)
1993
soubor maleb na plexiskle v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Gezicht en Straat (Tvář a ulice)
1993
soubor maleb na plexiskle v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Klok (Hodiny)
1993
soubor rytých desek z plexiskla v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Ambitie / Aliënatie (Ambice / odcizení)
1993
soubor maleb na plexiskle v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Naděje a touha
1993
soubor maleb na plexiskle v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Kontrolní hodnoty
1993
soubor maleb na plexiskle v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

Naaktstudie (Studie aktu)
1994
soubor maleb na plexiskle a PVC v plexisklovém stojanu, 23,5 × 26 × 3,5 cm

S laskavým svolením umělkyně a galerie Barbara Thumm v Berlíně

Anne-Mie Van Kerckhoven chápe umění jako zkoumání neznámého. Její tvorba vychází z kontrakultury, feministické teorie a kritického myšlení o technologiích a její přístup je zároveň analytický i intuitivní. Zkoumá, jak se gender a vědění projevují ve vizuální kultuře, přičemž čerpá z popkultury, mystiky i nevědomí. Od 70. let patří k průkopnicím počítačového a mediálního umění. Spolupracovala s vědci, včetně výzkumníků z Laboratoře umělé inteligence v Bruselu, a společně s Dannym Devosem spoluzaložila noisovou skupinu Club Moral.

Její tvorba často seskupuje a vrství obrazy a texty. Vizuální podklady čerpá z časopisů, masmédií, softcore pornografie i komiksů. Často využívá komerční grafické techniky, jako je plexisklo, počítače a profesionální tisk. Vystavené plexisklové stojany obsahují malované a zčásti transparentní desky, částečně inspirované filozofií Reného Descarta. Jsou uspořádány bez pevně daného pořadí a vytvářejí otevřené struktury, v nichž všechny prvky náleží jednomu dílu, které nikdy nedosahuje konečného stadia. Terezín je počítačová animace, která kombinuje softcore pornografické obrazy žen s fotografiemi pořízenými umělkyní v České republice, mimo jiné v bývalém koncentračním táboře Terezín. Zvuková stopa vrství tři nahrávky druhého hlasu z kantáty Johanna Sebastiana Bacha do hutné a mnohovrstevnaté zvukové struktury.

* Vinnycja (UA), 1986 | → Villejuif (FR)

Anděl Artur Snitkus
2017–2024
digitální video se stereo zvukem, 7 min

S laskavým svolením umělkyně

Video Anděl Artur Snitkus ukrajinské umělkyně AntiGonny žijící ve Francii je portrétem queer umělce Artura Snitkuse. Ten zemřel v roce 2024 jako člen ukrajinské armády při obraně své země před ruskou agresí. Je to lyrický a jemný portrét, který umělce zobrazuje jako anděla. Sílu filmu umocňuje skutečný osud jeho protagonisty. Dokazuje schopnost umění uchovat to, co v životě pomine. Toto dílo vzniklo jako nutnost, jako tichý svědek naděje a odporu proti nespravedlnosti.

„Anděl, kterého ztělesňoval, se vrátil z nepozemského světa; ne jako postava, ale jako přízrak smrti a smutku, varující před nevyhnutelným osudem nejen pro něj, ale pro všechny Ukrajince a Ukrajinky. To, co se kdysi zdálo být experimentem, se stalo proroctvím. Artur byl výjimečný: svou androgynii obýval odvážně, předběhl dobu a hýbal s proudy současného umění. Když jsem se dozvěděla o jeho smrti, bolest mě zasáhla jako nůž do zad. Později přišla vize: Artur stoupající do nebes, zářivý a majestátní. Naučil mě sounáležitosti a lásce. Nechtěl válku, ale osud neznal slitování. Teď je tam, kde za života vždycky byl: je z něj Anděl. Budu si ho pamatovat navždy. A nikdy neodpustím.“ (AntiGonna)

* Chesterfield (GB), 1986 | → Amsterdam (NL)

Stroje
2023
digitální video se stereo zvukem, 19 min

Pracovitost
2021
strongman yoke, postroje, popruhy, umělé květiny, 280×180×210 cm

Zahálka
2021
strongman yoke, denim, postroje, popruhy, barvená bavlna, 280 × 180 × 210 cm

Přesun kontroly
2023
potištěná hliníková deska, profily, kůže, popruhy, stahovací pásky, 76×59×13 cm

Navždy jsme bolestným spojením
2023
potištěná hliníková deska, profily, kůže, popruhy, stahovací pásky, 76×59×13 cm

Za rukou podél paže
2023
potištěná hliníková deska, profily, kůže, popruhy, stahovací pásky, 76×59×13 cm

Od jednoho k druhému
2023
potištěná hliníková deska, profily, kůže, popruhy, stahovací pásky, 76×59×13 cm

S laskavým svolením umělectva

Dílo umělectva usazeného v Nizozemsku je mnohovrstevnaté a plné kulturních odkazů. Už zvolený pseudonym Public Universal Frxnd odkazuje na postavu amerického kvakerského kazatelstva Public Universal Friend (1752–1819).

Šlo původně o Jemimu Wilkinson, která v roce 1776 prodělala těžkou nemoc a prožila hluboký duchovní zážitek. Tak se zrodil* Friend, jenž přijal* identitu, která nebyla ani ženská a ani mužská. Friend již nechtěl* být oslovován* svým původním jménem. Následujících čtyřicet let kázal* o spasení, které si zaslouží všichni lidé, a o společenské spravedlnosti. Umělectvo Public Universal Frxnd vyrůstal* v britské kvakerské rodině. Svým jménem se tak hlásí k vlastním kořenům, ale jedná se i o queer hru s překonáním jednoznačné identity. Vystavené konstrukce připomínají fitness vybavení. Odkazují na vztah těla a stroje v průběhu historie. Video se inspiruje tradičním lidovým britským tancem, ve kterém rytmický zvuk stepu napodobuje rytmus tkalcovských strojů. Tkalcovský stroj je symbolem průmyslové revoluce a automatizace práce – nahrazování lidské práce strojem. Tehdy se podle sociologa Maxe Webera výhodně spojila protestantská pracovní etika (disciplína a odříkání) s kapitalismem. Toto spojení se dále vyvíjelo a dnes se projevuje jako vnitřní nutkání neustále zvyšovat svou produktivitu nejen v práci, ale ve všech sférách života.

Public Universal Frxnd v těchto dílech odkazuje takéna klubovou scénu a queer BDSM praktiky. Podřízení se – rytmu hudby nebo jinému člověku – tu představuje uspokojivý únik z reality. Plastiky Zahálka a pracovitost a další díla v instalaci reprezentují složitý a propletený vztah mezi kontrolou a odevzdáním se, mezi požadavky „systému“ a našimi vlastními touhami.

* Jeruzalém (PS), 1988 | → Amsterdam (NL)

المتجاوزون (spící kráčíme)
2026
video, digitální transfer filmu Super 8mm, 25:00 min

S laskavým svolením umělkyně

Noor Abed se pohybuje na pomezí performance a filmu. Ve své tvorbě zkoumá sociální choreografii a kolektivní formy; propojuje přitom inscenované a dokumentární postupy. Abed je známá tím, že používá analogové filmové techniky a čerpá ze starověkých rituálů, mýtů a palestinské lidové kultury, které chápe jako nástroje kolektivní svobody a odboje. Její výzkum se zabývá meziprostory, v nichž se minulost a přítomnost setkávají a existují vedle sebe jako skutečná a žitá zkušenost. Jazyk jejích filmů osobitým způsobem působí na naše vnímání času, který využívá k propojení imaginace a emocí.

Abed ve svých dílech odhaluje skrytou politickou sílu toho, co zůstává neviditelné: věcí, které mohou být nevědomé, ale jež lze vycítit na místech s dávnou historií. Jsou jimi studny, údolí, hory či posvátná místa v Palestině.

Film spící kráčíme funguje jako brána do prostoru, kde se živí a mrtví setkávají, sdílejí myšlenky a bloudí ve světě, který často zůstává neviditelný. Snímek vytváří nový způsob prostorové imaginace, která je nezbytnou reakcí na situaci, kdy se historie může jevit jako zcela uzavřená. Pohybuje se mezi posvátným a moderním a umožňuje oběma rovinám existovat současně ve stejném časoprostoru, který má kořeny v Palestině. Na natáčení se podílely místní komunity v palestinských vesnicích. Film zachycuje každodenní situace, které se někdy prostřednictvím choreografie inspirované obřadními gesty starověkých kultur přeměňují do geometrických forem. Tyto skupinové formace se postupně vrství a propojují pohyb těl s místy truchlení, staletými stavbami a stopami zanechanými v palestinské městské i sociální krajině.

Dílo vzniklo v koprodukci bienále Ve věci umění a BredaPhoto Festivalu. Vznik díla byl dále podpořen nadací Han Nefkens Foundation a nadací Mondriaan.

Jogdžakarta (ID), 1998

6065
2025
linorytový tisk na látce, 365 × 49 cm

S laskavým svolením umělectva

Kolektiv Taring Padi vznikl jako „Institut lidově orientované kultury“ (The Institute of People Oriented Culture) v Indonésii v roce 1998. Založilo jej studentstvo umění a aktiviststvo v období zásadních politických změn v zemi. Jejich tvorba je vždy propojena se sociálním, kulturním a politickým aktivismem a využívá nástroje jako pouliční protesty, transparenty, dřevoryty a hudbu k osvětě a budování komunity. Pro bienále Ve věci umění 2026 představuje Taring Padi speciální dílo: linoryt vytvořený v jejich studiu v Jogdžakartě společně s americkým umělcem Rogerem Peetem. Dílo připomíná šedesáté výročí masakrů v Indonésii v letech 1965–1966.

Po neúspěšném pokusu o převrat převzala v zemi moc indonéská armáda, která následně s pomocí Spojených států amerických začala pronásledovat neozbrojené levicové politické skupiny. V následujících několika letech byly zabity téměř 2 miliony lidí a stovky tisíc jich byly vězněny bez soudního řízení. Toto období je známé jako indonéská genocida.

Linorytový tisk s názvem 6065 klade naléhavou otázku: „Jak bude vypadat budoucnost, pokud zvítězí fašisté?“ A zároveň se snaží představit si svět, v němž existuje spravedlnost. Kolektiv vnímá historii jako důležitou lekci toho, kam až jsou skupiny mocných ochotny zajít, aby zastavily hnutí bojující za lepší svět.

Jogdžakarta (ID), 1998

Workshop Wayang Kardus: Zastavte násilí proti lidskosti
2026
karton, dřevo, různé rozměry

Instalace Wayang Kardus (v indonéštině „kartonové loutky“) vznikla v rámci workshopu, který Taring Padi vedl v Praze v květnu 2026. Téma workshopu „Zastavte násilí proti lidskosti“ přímo navazuje na hlavní sdělení grafiky 6065: z historie je třeba se poučit, aby se podobné zločiny už neopakovaly.

Loutky v životní velikosti jsou vyrobeny z recyklovaného kartonu. Představují klíčovou součást praxe kolektivu Taring Padi na podporu lidí bojujících za sociální spravedlnost. Skupina už téměř třicet let pomáhá komunitám v Indonésii i dalších zemích prostřednictvím bannerů, plakátů, hudby a muralů, které vyrábí pro protesty a kampaně. Tyto kartonové loutky mají mnoho funkcí: díky nim vypadá protestující dav početnější, poskytují stín před sluncem nebo nabízejí alespoň částečnou ochranu před policií během demonstrací.

V rámci workshopu Taring Padi se neučí pouze výroba loutek, ale vedou se i diskuse o jeho tématu. Účastnictvo společně vytváří příběh a politické sdělení pro jednotlivé loutkové postavy v lokálním kontextu.

Loutky vystavené v této expozici vznikly na podporu aktivistických skupin v České republice. Po skončení výstavy se vrátí těm, kteří je vytvořili.

Bienále Ve věci umění 2026 je setkáním rozmanitých kulturních a uměleckých praxí, které reagují na životní nezbytnosti. Čtvrtý ročník bienále přistupuje k nezbytnosti či nepostradatelnosti jako k ústřednímu konceptuálnímu pojmu i jako k určujícímu principu, jenž propojuje množství uměleckých děl, organizačních a vzdělávacích metod, způsobů sdílení času a prostoru i forem tvorby a vnímání umění. V tomto kontextu se umění nejeví jako estetická volba, komodita či profesionalizovaná činnost, ale jako instinktivní, tělesně zakotvená reakce na prožívané podmínky; jako něco nevyhnutelného, co je vepsané do samotné struktury každodenního života a jeho politiky.

Výstava v GAMPA začíná obrácením pohledu k obloze a zamyšlením se nad rolí imaginace při utváření společných budoucností. V roce 1912 byla v Pardubicích otevřena lidová hvězdárna, tedy první veřejná hvězdárna v Čechách. Byla koncipována jako bezplatná a přístupná instituce a pravidelně nabízela pozorování Slunce, veřejné prohlídky i přístup k astronomické literatuře každému, kdo si chtěl prohloubit své znalosti o vesmíru. Tím, že byla hvězdárna otevřená široké veřejnosti, ztělesňovala vizionářský způsob nahlížení za hranice přítomnosti v čase i prostoru a prosazovala princip, že vědomosti, možnosti a technologické nástroje umožňující přístup ke kosmu mají náležet všem. Tento princip zůstává aktuální i v dnešní době, kdy jsou tyto zdroje stále více privatizovány. 

Výstava představuje umění jako formu světotvorby, kde se v mezigeneračním dialogu setkává množství vizí, spekulací a imaginací. Obrátit zrak k obloze zároveň znamená uvědomit si vlastní pozici z odstupu, vykročit za hranice známého a rozšířit hranice možného. Proces imaginace je pro utváření sdíleného zásadní, ať už je vizionářský, zdánlivě naivní, nerealistický, či nepatřičný. Imaginace je práce – a rozšiřování sociální, politické i umělecké imaginace otevírá pole možných budoucností. Tyto budoucnosti nejsou pouhým prodloužením přítomnosti, ale radikální jinakostí, které lze v dnešní nejisté politické situaci dosáhnout pouze výrazným zlomem.

Výstava vychází z myšlenky svobodného a univerzálního přístupu k vesmírné obloze jako rezervoáru poznání a imaginace a zkoumá horizonty myšlení orientovaného do budoucnosti v různých, ale stejně podstatných měřítkách. Umělci a umělkyně nabízejí letmá nahlédnutí do možných realit a přehodnocují pojmy moci a pokroku tím, že se obracejí jak ke vzdáleným vesmírům, tak ke kosmologiím každodennosti: k tomu, co je marginální, periferní a zdánlivě bezvýznamné. Upřednostněním situovaného poznání a intuice před velkolepými narativy se výstava stává souborem případových studií toho, co teprve přijde, a odolává apokalyptické neschopnosti představit si svět jinak. V době, kdy jsou náš pohled, pozornost i imaginace stále více přivlastňovány, komodifikovány a pohlcovány militarizovanými systémy, umělecká praxe trvá na jejich opětovném přisvojení a připomíná nezbytnost odlišných způsobů myšlení.

GAMPA Galerie města Pardubic
Automatické mlýny 1962
530 03 Pardubice

Otevírací doba
út–ne: 10.00–18.00

Termín výstavy
12. 6. – 26. 9. 2026

Doprava
Z Prahy vlakem z „Hlavního nádraží” do stanice. „Pardubice hl. n.” a dále z autobusové zastávky zast. „Pardubice hl. n.” linkou 8 nebo 9 do zastávky „Náměstí republiky” a dále pěšky cca 10 min.

Přístupnost a zázemí
Bezbariérový vstup a WC, přebalovací pult, pitná voda, wi-fi

* Lisabon (PT), 1984 | → Hong Kong (HK) & Oxford (GB)

Vaječník
2021
videoinstalace, digitalizovaný 16mm film se stereo zvukem, 5 min

S laskavým svolením umělectva a Galleria Umberto Di Marino

Krátký atmosférický film Vaječník portugalského umělectva Isadory Neves Marques (dříve Pedro Neves Marques) se dotýká tématu mužského těhotenství. Díky jemným náznakům v příběhu zjišťujeme, že gay pár otěhotněl poté, co jednomu z mužů implantovali ženský vaječník. Neves Marques vychází z fanfikčního žánru mpreg („male pregnancy“ neboli mužské těhotenství). Rozvíjí zde utopickou představu, ve které by práce, kterou na svých bedrech při reprodukci nesou ženy (těhotenství, porod, kojení atd.), mohla být díky pokroku v medicíně spravedlivěji rozdělena mezi obě pohlaví. Vaječník je uklidňující meditací o lepším světě, který může nastat, pokud budeme už v současnosti více otevření neobvyklým změnám. Podvratné vyznění intimity filmu zesiluje cover verze písně Lany Del Rey Let Me Love You Like a Woman.

* Antverpy (BE), 1951

Rozsah a nutnost konečné přitažlivosti
(ze série O reprezentacích, pravda či nepravda)
2015
různá média na PVC, upevněno ocelovými šrouby v dřevěném rámu, 166 × 141 cm

…o tom se nediskutuje
(ze série O reprezentacích, pravda či nepravda)
2015
různá média na PVC, upevněno ocelovými šrouby v dřevěném rámu, 166 × 141 cm

Vztah / poměr věcí
(ze série O reprezentacích, pravda či nepravda)
2015
různá média na PVC, upevněno ocelovými šrouby v dřevěném rámu, 166 × 141 cm

Umění nebo láska / Věda + Filozofie = Krása / Nihilismus
(ze série O reprezentacích, pravda či nepravda)
2015
různá média na PVC, upevněno ocelovými šrouby v dřevěném rámu, 166 × 141 cm

S laskavým svolením umělkyně a galerie Barbara Thumm v Berlíně

Anne-Mie Van Kerckhoven přistupuje k umění jako k průzkumu neznámého. Vychází z kontrakultury, feministické teorie a kritických pohledů na technologie. Její tvorba je zároveň analytická i intuitivní. Od 70. let patří k průkopnicím počítačového a mediálního umění. Spolupracovala s vědci v Laboratoři umělé inteligence v Bruselu a spolu s Dannym Devosem založila noisovou kapelu Club Moral.

Její díla jsou konstelacemi obrazů a textů, které propojují různé zdroje a druhy poznání: popkulturu, mystiku, softcore pornografii, komiks i vědeckou a filozofickou literaturu. Van Kerckhoven ráda sbírá a již desítky let shromažďuje časopisy, jejichž obrazový materiál využívá v kolážích a sériích. Tyto práce se zabývají průzkumem vizuální reprezentace genderu a poznání.

Série Over voorstellingen, waar of vals (O reprezentacích, pravda či nepravda) je inspirována knihou An Investigation of The Laws of Thought (Zkoumání zákonů myšlení, 1854) George Boolea, matematika, který vytvořil systém pravdy a nepravdy (zvaný Booleova algebra), jenž se stal základem moderní výpočetní techniky a umělé inteligence. Každé ze čtyř děl v sérii představuje jednu teorii z oblasti logiky a uvádí Booleovy abstraktní struktury do dialogu s náměty, které Van Kerckhoven shromažďuje. Tím reflektuje neustálé úsilí vědy nalézt důkazy pro jevy, o jejichž existenci je vědecké výzkumnictvo přesvědčeno. Van Kerckhoven zde vidí paralelu se svou vlastní tvorbou: prostřednictvím umění vytváří hmotné důkazy pro věci, které cítí či tuší, ale dosud je nemůže poznat.

* Poznaň (PL), 1988 | → Varšava (PL)

Strom z matčiny zahrady
2025
intarzie, topolová kořenice, kořenice z kalifornského ořechu, ocel, 49 × 30 cm

S laskavým svolením soukromé sbírky The Wildness of the Heart

Pohled na slunce skrze listy třezalky
2023
intarzie, topolová kořenicová dýha, 85 × 62 cm

S laskavým svolením sbírky Weroniky Szwarc-Bronikowski

Přínosy BDSM pro přeživší traumatu
2026
intarzie, topolová kořenice, javorová kořenice, ocel, 51 × 31 cm

Přínosy BDSM pro přeživší traumatu
2026
intarzie, javorová kořenice, ocel, 20 × 41 cm

Přínosy BDSM pro přeživší traumatu
2026
intarzie, javorová kořenice, ocel, 40 × 25 cm

Přínosy BDSM pro přeživší traumatu
2026
intarzie, javorová kořenice, ocel, 26 × 36 cm

S laskavým svolením umělkyně a galerie lokal_30 ve Varšavě

Liliana Zeic je přitahována místy a lidmi na pomezí toho, co je považováno za „normální“, ať už v lidské kultuře, nebo v přírodě. Její dřevěné panely spojují motivy rostlin, queer těl, komunit a rituálů a k jejich výrobě používá intarzii, složitou techniku vsazování, tradičně užívanou k dekoraci nábytku a podlah. Tento materiál zvolila na základě vlastních zkušeností: dětství stráveného na venkově a truhlářské dílny svých rodičů v Polsku 90. let. Zeic pracuje výhradně s kořenicemi neboli nádorovým dřevem, pocházejícím z nemocných stromů, které se uzdravily. V její tvorbě nejsou nepravidelné vzory kořenic pouhou dekorací; stávají se prostředkem k zobrazení nenormativních světů a k rozostření hranic mezi tím, co je považováno za zdravé a přirozené, či patologické a nepřirozené.

Série Přínosy BDSM pro přeživší traumatu zkoumá, jak může konsenzuální hra dominance a submise přispět k uzdravení. Ptá se, jak mohou často tabuizované aspekty intimního života podporovat léčení, péči a citlivost. V bodě setkání lidských a nelidských těl se queer komunity mohou stát spojenectvem rostlinného světa. Zeic si představuje prostor pro setkávání lidských i nelidských „outsiderů“ jako místo obnovy a budoucích možností. V tomto prostoru se otevírají nové způsoby života a právo existovat mimo dominantní struktury není výjimkou, ale ústřední ideou.

* Breslau, dnešní Vratislav, 1933 | † Berlín (DE), 2023

Kontinuum II
1995
instalace, rozbité sklo, ultramarínová modř, vlna, drát, reproduktory, zvukový systém, 300 × 250 × 30 cm

S laskavým svolením pozůstalosti Margaret Raspé a galerie Molitor v Berlíně

Ranou tvorbu Margaret Raspé charakterizovalo zaměření na vlastní domov a každodenní život před kamerou. Později její práce zvětšila měřítko a obrátila se k naší planetě a vesmíru. Zabývala se ekologií, udržitelností, spiritualitou i teoriemi vnímání. Všechna její díla spojuje hledání jiných forem poznání a myšlenka, že naše každodenní prostředí ovlivňuje těla, bytosti i objekty, které nás obklopují.

Kontinuum II tvoří „ostrov“ modrých skleněných střepů se šesti vlněnými koulemi, které Raspé přirovnávala ke hvězdám či planetám. Z těchto objektů vychází zvuk – její zpěv vrstvený s nahrávkami rotace Země, Slunce, Měsíce, Jupiteru, Venuše a Marsu, upravenými pro rozsah lidského sluchu.

V průběhu pěti dekád své umělecké kariéry kladla Raspé otázky týkající se vlastní existence i existence světa kolem ní. Vytvářela instalace, performance, fotografie, malby i kresby, aby diváctvu umožnila uvědomit si, kde se setkává každodenní život s vesmírem. Snažila se spojit vnímání, spiritualitu a politiku do jednoho celku porozumění. Její tvorba zároveň obsahuje kritiku civilizace, vycházející z bezprostředního vztahu k přírodě. Tento přístup rozvíjela i ve své zahradě v Berlíně, kde často pořádala setkání osobností z uměleckých a intelektuálních kruhů.

* Răcăştie (RO), 1930 | † Temešvár (RO), 2014

Fazol, klíčení
1976/2022
soubor černobílých fotografií, výstavní kopie, 24 × 17,7 cm

S myšlenkami na věčnost
1987–1989
smíšená technika, křída a akryl na papíře, 101 × 73 cm

Poupata se otevírají rozhovoru
1979–1989
inkoust a akvarel na papíře, 64,7 × 55,3 cm

S laskavým svolením Kontakt Collection ve Vídni

Ștefan Bertalan patřil k nejvýznamnějším osobnostem rumunské neoavantgardy. Jeho tvorba se zaměřuje na výzkum a proces, přičemž ústředním tématem je příroda. V roce 1965 spoluzaložil skupinu Groupe 111 spolu s Romanem Cotoșmanem a Constantinem Flondorem. Tato skupina je považována za první experimentální umělecký kolektiv v komunistickém Rumunsku. Později byl členem interdisciplinární skupiny Sigma (1969–1980). Přírodní formy zkoumal systematicky, s téměř vědeckou zvídavostí, se zaměřením na jejich struktury, vzorce a základní logiku. Jeho tvorba vytváří podivuhodný mikrokosmos, v němž se setkávají zvědavost, filozofie, matematika, kybernetika a spiritualita. Zájem o přírodní procesy ho přivedl ke kosmologii, v níž jsou člověk a příroda neoddělitelní.

Vystavené fotografie dokumentují vývoj fazolu od semínka po dospělou rostlinu. Byly vytvořeny pro dílo Kinogram přírodního procesu viděného skrze objektiv, prezentované na konceptuální výstavě Studie v Temešváru v roce 1978. Pro Bertalana byl vývoj semínek metaforou lidské existence. V jeho pozdějších expresionistických kresbách ustupuje biologické pozorování snovým a hluboce osobním vizím soužití člověka a rostlin, z nichž vznikají zvláštní hybridní formy.

* Kňažyči (UA), 1942 | † Kyjev (UA), 2007

Skica k návrhu Kyjevského planetária
1988
karton, akvarel, kvaš, 61,5 × 84 cm

S laskavým svolením rodiny umělce

Vodní soutěže
80. léta 20. století
koláž, akvarel, novinový výstřižek na papíře, 43,2 × 41 × 3 cm, zarámováno

S laskavým svolením sbírky Kontakt Collection ve Vídni

Vagón vyskočil z vlaku…
(kniha koláží s biotechnosférou)
80. léta 20. století
tužka, inkoust, polygrafické výstřižky na papíře, 27,4 × 23,2 × 3 cm, zarámováno

S laskavým svolením sbírky Kontakt Collection ve Vídni

Biotechnosféry spojené „ludoprovody“ (lidskými vodiči).
Město budoucnosti (ze série Biotechnosféra. Města budoucnosti)
80. léta 20. století
papír, autorská technika na papíře, 21 × 30 cm

S laskavým svolením rodiny umělce

Biotechnosféry – víceúčelová centra (ze série Biotechnosféra. Města budoucnosti)
80. léta 20. století
papír, autorská technika na papíře, 21 × 30 cm

S laskavým svolením rodiny umělce

Biotechnosféra – mobilní úkryt pro ekologické katastrofy (ze série Biotechnosféra. Města budoucnosti)
80. léta 20. století
koláž, papír, akvarel, 21 × 30 cm

S laskavým svolením rodiny umělce

Úložiště sfér (ze série Biotechnosféra. Města budoucnosti)
80. léta 20. století
koláž, papír, autorská technika, 21 × 30 cm

S laskavým svolením rodiny umělce

Jak se rodíme, jak žijeme a kam směřujeme, neumírajíce ve snaze
80. léta 20. století
papír, akvarel, dřevěný rám, 14,5 × 22 × 3 cm

S laskavým svolením rodiny umělce

Střet prapůvodních sil (Tajemství ukrajinského ráje)
70. léta 20. století
papír, inkoust, pero, dřevěný rám, 20,5 × 28 × 3 cm, zarámováno

S laskavým svolením rodiny umělce

Fedir Tetjanyč byl vizionářský umělec, jenž pracoval s malbou, sochou i performancí. Byl ovlivněn kosmismem, kybernetikou, venkovskými ukrajinskými tradicemi i ekologií. Narodil se v Kňažyči nedaleko Kyjeva a ve své tvorbě zkoumal provázanost člověka a vesmíru, přičemž vycházel jak ze science fiction a vědeckého výzkumu, tak z ukrajinských lidových tradic, kosmologií a historie se zaměřením na kozáctví. Na zakázku realizoval monumentální mozaiky a dekorativní panely, zatímco ve volném čase rozvíjel vlastní teoretickou a performativní praxi.

Jedním z jeho klíčových konceptů byla Biotechnosféra: univerzální a soběstačný modul ve tvaru koule o poloměru 120 centimetrů. Navrhl ji jako prostor pro život, útočiště, dopravu i záchranu. Propojováním jednotlivých modulů se měla Biotechnosféra rozrůstat do větších struktur. Tetjanyč usiloval o udržitelný model soužití, nikoli o nadvládu technologie. Jeho pojetí kosmu bylo výrazně humanistické. Odmítal destrukci stávajícího života, na rozdíl od ruského kosmismu, který usiloval o proměnu Země pro budoucí lidstvo za každou cenu. Svou existenci pojímal jako nepřetržitou performanci rozkročenou mezi Zemí a nekonečnem, v níž realizoval akce a psal kosmické i ekologické manifesty. Jeho avantgardní tvorba představuje lokální odpověď na širší úvahy o vědě a technologiích a jejich nadějeplném potenciálu. Odráží environmentální citlivost i futuro-logickou imaginaci, jež se formovaly v období globální studené války.

* Teherán (IR), 1924 | † Teherán (IR), 2011

Život
1966 animovaný film, 16:22 min

S laskavým svolením umělcovy rodiny

Nosrat Karimi patřil k nejvýznamnějším průkopníkům íránské animace, loutkového filmu a kinematografie. Natočil první stop motion film i první loutkový film v Íránu a založil první animační studio v zemi. Po počá- tečním vzdělání v Teheránu odcestoval v roce 1953 do Evropy. V Římě pracoval jako asistent režie u Vittoria De Sicy a následně studoval na FAMU v Praze u Karla Zemana, kde se specializoval na animovaný a loutkový film. FAMU vyškolila řadu klíčových osobností západoasijské kinematografie a Karimi patřil mezi ně. Do Íránu se vrátil v roce 1964.

Jeho absolventský film Životní pojištění (1957) patří k prvním animovaným filmům vytvořeným íránským autorem. Jedná se o loutkovou stop motion animaci o krátkozrakém lovci v džungli, který skončí na útěku před lvem. Zde prezentovaný film Život vznikl po jeho návratu do vlasti. Je rytmický, hravý a zachycuje rostliny v průběhu jejich životního cyklu a boje o přežití. Snímek propojuje Karimiho evropské školení s vizuálním jazykem perské miniatury.

* Terezín (CS), 1923 | † Praha (CZ), 2010

Velké spínadlo I (Rozházené)
1971
asambláž, patentky na kartoně, 73 × 71 cm

Velké spínadlo II (Rozházené)
1971
asambláž, patentky na kartoně, 73 × 71 cm

S laskavým svolením Kontakt Collection ve Vídni

Běla Kolářová byla jedinečnou osobností české poválečné avantgardy. Zkoumala řád a poetiku obyčejného a přehlíženého. Byla autodidaktkou a k umění se dostala skrze fotografii až ve třiceti letech. Stalo se tak poté, co onemocněla tuberkulózou a musela opustit práci v pražském nakladatelství, kde působila patnáct let.

Zlom přišel v roce 1961, kdy se setkala s tvrzením, že celý svět byl již vyfocen. Její pozornost se obrátila k drobným funkčním objektům, které fotografie většinou přehlížela. Brzy začala tvořit umění zcela bez fotoaparátu. Přímo na světlocitlivý papír uspořádávala kousky papíru, nitě, vlasy a organické materiály a vše pak exponovala ve fotokomoře. Od roku 1964 se začala věnovat asamblážím. Na plátna aplikovala předměty každodenní potřeby: patentky, zápalky, žiletky, kancelářské sponky, prameny vlasů. Její kompozice jsou hravé v detailech, ale zároveň přesné a logické. Odráží také širší poválečný zájem o vzory a komunikační systémy, důležité například v tehdejší kybernetice a sociálních vědách.

* Štětín (PL), 1966 | → Lodž (PL)

Herbalife
2023 instalace ze 16 děl, smíšené materiály, různé rozměry

S laskavým svolením Kontakt Collection ve Vídni Courtesy of Kontakt Collection, Vienna

Cezary Bodzianowski používá čajové sáčky jako sochařský materiál od počátku 90. let. Tento přístup se vyvíjel souběžně s jeho performativní tvorbou. Tyto křehké a zabarvené objekty – něco, co většina lidí bez přemýšlení vyhazuje – proměňuje v pečlivě zpracovaná poetická díla. Většina jeho tvorby má podobu performance. Inscenuje drobné podivné scénky a krátké absurdní příběhy a svůj přístup označuje jako „osobní divadlo událostí“.

Jeho akce ve veřejném i soukromém prostoru oslavují momenty, v nichž se nic nevytváří ani se ničeho nedosahuje. Vzpírá se tak tlaku na neustálou užiteč- nost. Jakmile čaj odevzdá vodě svou chuť i barvu, čajový sáček je vyprázdněn a odhozen; pro umělce se tak stává metaforou vyčerpání v podmínkách nejisté tvůrčí práce. Když jsou však tyto použité sáčky spojeny do kompozic, odmítají být vyhozeny. Stávají se záznamem času strá- veného nečinností, okamžikem odpočinku a pauzou, kterou každodenní život zároveň vyžaduje i upírá.

* Zvolen (SK), 1999 | → Praha (CZ)

Zveromedze
2025
digitální video se stereo zvukem, 49 min

S laskavým svolením umělectva

Alex Sihelsk* je multidisciplinární umělectvo, které se věnuje queer pojetí čarodějnictví, mytologie a ekologie. Věnuje se také studiu zemědělství a pastevectví. Na výstavě představuje nový film, který vypráví o alternativní budoucnosti. Tato vize vychází z představ o společnosti, kterou pohání sluneční energie, kde si různé živočišné druhy rozumějí a lidé vnímají svět jako propojený celek.

Ve filmu sledujeme postavu queer pastevkyně, která se potuluje se svým stádem letní krajinou. Straní se osamocených lidských obydlí, roztroušených po krajině. Jako vizionářka propojuje světy. Musí se vyrovnat se svými vlastními vnitřními stíny a démony, aby z nich pak vytvořila celistvou duchovní vizi. Pomocí té pak pochopí, jak využívat zdroje energií tak, aby se nevyčerpaly. Film je natočen v mezislovanštině, neoficiálním jazyku, který vymyslela skupina jazykových vědců. Porozumí mu kdokoliv mluvící slovanským jazykem.

Video vzniklo za podpory Fondu na podporu umenia (FPU).

Bienále Ve věci umění 2026 je setkáním rozmanitých kulturních a uměleckých praxí, které reagují na žitou nezbytnost. Čtvrtý ročník bienále přistupuje k nezbytnosti či nepostradatelnosti jako k ústřednímu konceptuálnímu pojmu i jako k určujícímu principu, jenž propojuje množství uměleckých děl, organizačních a vzdělávacích metod, způsobů sdílení času a prostoru i forem tvorby a vnímání umění. V tomto kontextu se umění nejeví jako estetická volba, komodita či profesionalizovaná činnost, ale jako instinktivní, tělesně zakotvená reakce na prožívané podmínky; jako něco nevyhnutelného, vepsaného do samotné struktury každodenního života a jeho politiky.

Bienále si klade otázku, co jsou ony nezbytné věci: ty, kterým se nemůžeme vyhnout. Nezbytnost může mít podobu protestu jako prostředku přežití i jako projevu života, může se však objevit také jako intimní gesto, únik od pozornosti nebo obrácení se do vlastního nitra. Letošní ročník navrhuje uměleckou formu jako prostředek solidarity a soucitu, který slouží jako nositel, zástupce a nástroj podpory vzdorujících komunit i řešení osobních naléhavostí. Tyto praxe utužují vztahy zevnitř, zesilují umlčované hlasy a živí naději tím, že vyzývají spřízněné jedince k akci v reakci na útlak. Nezbytnost znamená učit se žít s rozpory, přijímat nevyhnutelný rytmus a orientovat se v choreografiích omezení. Umění zrozené z nezbytnosti je tak zároveň uměním poetiky redukce a zahrnuje nečinnost i praktikování umírněnosti, odmítnutí, bojkotu a ústupu.

Bienále se odehrává prostřednictvím dvou výstav v Praze a Pardubicích, dále pak kolektivních čtení, společného vaření a zahradničení, workshopů a publikačních a rozhlasových aktivit připravovaných decentralizovaným způsobem. Jeho podobu utváří kurátorský tým s různorodými perspektivami a dále ji rozšiřují pozvané místní kolektivy; neusiluje pouze o zdůraznění rozmanitých uměleckých reakcí na naléhavosti současnosti, ale také o dlouhodobou podporu a posilování existujících praxí. Bienále je koncipováno jako porézní, otevřená a sdílená entita, která opětovně zkoumá pojmy vlastnictví, autorství a sdílení zdrojů a posouvá je směrem k modalitám spolupráce a kolektivity.

Díla a praxe, jež bienále utvářejí, vycházejí z procesů, které se prosazují silou samotného života a vynucují si vlastní nezbytnost – jako je lapání po dechu, tlukot srdce či porodní kontrakce – události, jež nelze odložit, přesměrovat ani odmítnout. Nejpřesvědčivější podoba nezbytnosti je tak pociťována přímo v těle, v procesu života, který nás prostupuje a neustále přetváří prostřednictvím automatických a neodolatelných rytmů mimo vědomou kontrolu.

Tusculum Praha
Chittussiho 144, 160 00 Praha 6-Bubeneč

Otevírací doba
po–ne: 13.00–19.00

Doprava
Metro A: stanice Hradčanská
Bus 131: zastávka Nemocnice Bubeneč
Tram 8 | 18: zastávka Lotyšská

Přístupnost a zázemí
Kavárna, venkovní a vnitřní sezení, toalety, pitná voda, wi-fi

Praha (CZ), 2019

V zahradě
2026
zeleninová zahrada

V zahradě je projekt pražského uměleckého kolektivu StonyTellers. Skupina pracuje s keramikou, zahradničením a relačním, komunitně orientovaným uměním. Zároveň zaujímá kritický postoj k fungování uměleckého světa. Tato zeleninová zahrada vznikla jako pokračování jejích předchozích zahradnických aktivit v Praze. Byla vytvořena během čtyřdenního workshopu s vídeňským architektonickým studiem dreiSt. a za účasti místního dobrovolnictva, studentstva, umělectva a kulturního pracovnictva. Projekt využívá lokálně získané zbytkové materiály a demonstruje ekologické principy recyklace a lokální vynalézavosti. Zahrada se nachází ve dvoře historického psychiatrického sanatoria, které dnes funguje jako kulturní centrum Tusculum Prague provozované spolkem Petrohradská kolektiv. V rámci dlouhodobého přínosu tomuto místu nabízí Tusculum prostor, kde mohou různí lidé, zvířata i rostliny načerpat energii, sdílet společný čas, užívat si kontakt s přírodou a zkoumat různé způsoby soužití a vzájemné péče. Cílem projektu je obohatit stávající místo setkávání pro návštěvnictvo, zaměstnanectvo a pacientstvo blízké nemocnice a stejně tak i pro rezidenční umělectvo a kulturní pracovnictvo.

V souladu s tématem bienále je záměrem projektu svým trváním přesáhnout samotnou výstavu. Zahrada upozorňuje na umělecké praktiky, které nepředstavují objekty určené k prodeji, oceňuje pomalé procesy a uplatňuje feministické principy práce. Tím, že StonyTellers nevytvářejí tradiční „umělecké objekty“, stírají hranici mezi uměním a životem. Hledají přístupnější a více pečující způsoby práce i smysluplnou kritiku, která odhaluje skryté systémy a sítě podporující kulturní produkci.

Projekt vznikl ve spolupráci s Léčebnou dlouhodobě nemocných Praha 6, Nadací Via, studiem dreiSt., Platformou LINA a galerií VI PER.

Stan kroužku intersekce je prostor v Národní galerii pro všechny. Skupiny, kolektivy i jednotlivci hledající dočasný prostor pro pořádání akcí v Praze jsou zváni k využití Stanu, který je součástí výstavy bienále Ve věci umění 2026 ve Velké dvoraně Veletržního paláce Národní galerie Praha.

Stan, iniciovaný platformou kroužek intersekce, je víceúčelový prostor vhodný pro komunitní setkání, vzdělávací akce, diskuse a další. Prostor vybavený židlemi, reproduktorem, mikrofonem, kopírkou a kancelářskými potřebami může bezplatně využít kdokoli. V době pozvolného omezování veřejného prostoru a omezování jeho přístupnosti je Stan na bienále v Praze výrazným gestem radikální pohostinnosti a otevřenosti a ukazuje možné způsoby proměny veřejných institucí, jako jsou muzea a galerie, ve prospěch sdíleného veřejného zájmu.

Hledáte místo pro uspořádání diskuze, workshopu nebo komunitního setkání? V průběhu celého léta budete moct využít Stan kroužku intersekce. Svou akci až pro 30 lidí v něm můžete uspořádat zdarma. Hlásit se o termíny mohou jednotlivci i kolektivy skrze tento formulář. Stan je součástí volně přístupné výstavy bienále Ve věci umění ve Veletržním paláci v Praze, která probíhá od 12. června do 13. září 2026.

Schovaní pod plachtou společně sníme o lepší budoucnosti. Stan je symbolem komunity, vzájemnosti, sdílení, ale i radikálního odporu a krize bydlení. Je místem, kde se ideje jako vzájemná péče a odpovědnost mění v žitou praxi, místem, kde revoluce dostává konkrétní obrysy skrze každodenní činy.

Stanem testujeme terén bienále současného umění. Stanem nabízíme návštěvnictvu výstavy možnost vzít si prostor zpět a vytváříme dočasné přístřeší pro sdílení příběhů, kolektivní práci i odpočinek. Bez tlaku na konzumaci a spotřebu, bez nutnosti za cokoliv platit, se svobodou si určit, jak prostor využiji. Společnou měnou je odpovědnost vůči ostatním.

Ve Stanu najdete prostor pro přednášky, diskuse, kreativní činnosti, schůzky, workshopy a společnou tvorbu vědění. V době mimo pravidelný program si ho můžete zdarma zarezervovat pro potřeby vašich kolektivů. Ať už chcete uspořádat plenární schůzi, nebo si společně kreslit, Stan je tady pro vás.

✦ Seznam se s pravidly: Přečti si Pravidla prostoru Stan (které najdeš níže) a zvaž, jestli je vhodný pro vaše setkání.

✦ Vyber termín: Podívej se do kalendáře a vyber z volných termínů datum a čas, které vám vyhovují. Prostor je obecně otevřený pro rezervaci veřejností od 10:00 do 18:00 mimo pondělky a mimo oficiální doprovodný program bienále.

✦ Vyplň formulářVyplň rezervační formulář, ve kterém popíšeš záměr, zadáš datum a čas setkání a odsouhlasíš, že se budete řídit Pravidly Stanu. Vyplněním formuláře přebíráš roli bubenice – tj. stáváš se kontaktní osobou pro kroužek intersekce, kustodstvo a produkci výstavy a zajišťuješ, že je všechno účastnictvo setkání seznámeno s Pravidly Stanu.

✦ Čekej na kontaktování kastelánkou: V následujících dnech tě kontaktuje kastelánka Stanu, aby se domluvila, jak můžete Stan využít, a aby potvrdila tvou rezervaci.

✦ Uspořádej ve Stanu setkání: Při organizaci setkání se spolu s dalším účastnictvem řiďte Pravidly a tvojí domluvou s kastelánkou.

✦ Dej nám zpětnou vazbu: Po skončení setkání budeme rádx za zpětnou vazbu. Pokud po vašem setkání ve Stanu něco nefunguje, upozorni prosím kastelánku (kontakt ti zašleme po vyplnění formuláře).

Svobodně se sdružujeme.
✦ Stan je zdarma k dispozici pro veřejná setkání všem, kdo vyplní rezervační formulář a řídí se těmito Pravidly.
✦ Konečnou odpovědnost za provoz Stanu nese kastelánka, zástupkyně kroužku intersekce.
✦ Události ve Stanu jsou zaneseny v kalendáři spolu s informací, zda jde o setkání přístupné veřejnosti, či o soukromou akci.
✦ Veřejná setkání ve Stanu si účastnictvo organizuje samo, a to bez nároku na personál, na propagaci či na honorář.

Co je k dispozici?
✧ Technické vybavení – ozvučení (1x mikrofon, 1x bluetooth reproduktor)
✧ TV obrazovka s HDMI vstupem
✧ Kopírka/tiskárna
✧ Papíry, psací potřeby, stim toys – v uzamčené skříňce, klíček k zapůjčení u kustodstva
✧ Zásuvka 230 V
✧ Vložky, respirátory, špunty do uší – u kustodstva

Za chod stanu spoluzodpovídáme.
✦ Jako návštěvnictvo výstavy a účastnictvo setkání ve Stanu za tento prostor spoluzodpovídáme. Společně se snažíme tvořit atmosféru, ve které se cítíme dobře a vzájemně se respektujeme.
✦ Každé veřejné setkání ve Stanu garantuje zodpovědná osoba, jejíž funkci pro tyto účely nazýváme bubenice. Tato osoba:
✧ je kontaktní osobou pro kroužek intersekce (kastelánku), kustodstvo a produkci výstavy;
✧ zajišťuje, že všechno účastnictvo setkání zná Pravidla Stanu a souhlasí s nimi;
✧ nastavuje a transparentně komunikuje s účastnictvem setkání, jak a zda se do setkání může zapojit návštěvnictvo výstavy.

✦ Chod Stanu garantuje kastelánka. Tato osoba:
✧ zajišťuje plynulý chod kalendáře a rezervačních formulářů;
✧ je kontaktní osobou pro bubenici, kustodstvo, produkci výstavy i zaměstnanectvo galerie;
✧ řeší problémy plynoucí z využívání Stanu.

✦ V prostorách dvorany se pohybuje také personál galerie, jako je například pracovnictvo údržby nebo ostraha, a také personál tranzitu, jako je například kustodstvo. Tyto osoby však nenesou odpovědnost za provoz Stanu a ani se na jeho chodu přímo nepodílejí.

Pečujeme o Stan, výstavu i její návštěvnictvo.
Snažíme se prostor Stanu na konci setkání zanechávat v takovém stavu, v němž ho budou rádx využívat i ostatní.
✦ Bereme v potaz, že všechny aktivity ve Stanu se dějí ve společných prostorách bienále. Respektujeme proto další návštěvnictvo výstavy, a to ve Stanu i mimo něj (např. mírou hluku, trpělivostí s nakukujícími či doptávajícími se osobami).
✦ Při využívání Stanu se řídíme informací od bubenice, jak a zda se do setkání zapojuje návštěvnictvo výstavy.

Jednáme v rámci hodnot Stanu.
✦ Ve Stanu není místo pro rasismus, homofobii, transfobii, sexismus, předsudky a ohrožování zdravotně postižených osob, ageismus a jiné formy diskriminace ani pro další chování, které poškozuje další přítomné.
✦ Pokud se s takovým chováním setkáme, pokusíme se situaci samx uklidnit, případně uvědomíme bubenici, kustodstvo a kastelánku.

Dáváme si zpětnou vazbu a reagujeme na ni.
✦ Pro co nejlepší fungování Stanu je pro nás důležitá zpětná vazba od lidí, kteří ho aktivně využívají. Jak se vám v prostoru líbilo? Pracovalo? Přišel vám dostupný? Zpětnou vazbu nám můžete dát přes tento formulář.
✦ Pokud narazíme na jakýkoli problém, máme připomínky či nápady na zlepšení nebo se ve Stanu cokoliv porouchá, nahlásíme to zodpovědným osobám. Kontaktovat nás můžete také e-mailem na adrese kruh.intersekce@gmail.com.

Matter of ArtMatter of ArtMatter of ArtMatter of ArtMatter of ArtMatter of Art